Niille, jotka rakastavat kerätä upotettuja musiikkilaatikoita, musiikkikorulaatikoita, baleriinien musiikkilaatikoita ja antiikkisia musiikkilaatikoita, kuten levykäyttöisiä sylinterimäisiä musiikkilaatikoita, musikaalisia nuuskalaatikoita ja vastaavia, on monia asioita, joita voit etsiä, kun kyse on löytää täydellinen laatikko. On kuitenkin olemassa selkeitä ominaisuuksia, joiden vuoksi jotkut musiikkilaatikot erottuvat muista. Nämä ovat materiaalit, koristelu ja musiikkilaatikon päivämäärä.

Materiaalit

Kaikkia musiikkilaatikoita ei ole tehty samanlaisiksi. Se, mistä materiaalista karuselli-musiikkirasia, puinen musiikkirasia, upotekoristeinen musiikkilaatikko tai antiikkinen musiikkilaatikko on valmistettu, auttaa luomaan sen ainutlaatuisuutta. Esimerkiksi 1800-luvun alussa musiikilliset nuuskalaatikot valmistettiin jalometalliperheen edullisista materiaaleista, kuten kullasta ja hopeasta. Mukana oli myös joitakin messingistä valmistettuja musiikkilaatikoita, jotka tuolloin olivat harvinaisia.

Muut musiikkilaatikot, kuten nuuska-musiikkilaatikot, tehtiin puusta, sarvesta ja kilpikonnankuoresta. Puiset nuuska-musiikkilaatikot, jotka oli valmistettu sellaisista materiaaleista kuin tammi ja pähkinä, olivat erittäin kauniita. Upeita olivat myös Amboyna-puusta tehdyt laatikot, joka on peräisin pieneltä Etelä-Kiinan meren saarelta Amboyna Caylta. Niille keräilijöille, jotka rakastavat puisten musiikkilaatikoiden keräämistä, jostain näistä materiaaleista tehdyn laatikon löytäminen tekisi heidän kokoelmaansa upean hyödyn.

Koriste

Musiikkikorulaatikot, upotekoristeiset musiikkilaatikot, lasten korulaatikot ja muun tyyppiset antiikkiset musiikkilaatikot on kaikki koristeltu eri tavalla. Se, millaista sisustusta musiikkilaatikoiden keräilijä hakee, perustuu henkilökohtaisiin mieltymyksiin. Jotkut musiikkilaatikoiden keräilijät saattavat nauttia 1800-luvun alun musiikkilaatikoista, koska monia kansia käytettiin koristeina. Esimerkiksi monien musiikillisten nuuskalaatikoiden kannet tehtiin norsunluulle maalatuilla miniatyyreillä. Musiikkilaatikoiden keräilijälle tällaisen löytäminen olisi melkoinen palkinto. Teoksessa Music Boxes: A Guide for Collectors David Tallis ehdottaa, että “hyvä taiteilija etsiä on Charles-Claude Delaye, joka työskenteli Ranskassa 1800-luvun ensimmäisellä puoliskolla. Yksi hänen miniatyyreistään musiikkinuuskalaatikolla on varustettu kullattu kuparikehys ja viisto lasi… Jos olet onnekas, löydät musiikillisen nuuskalaatikon, jonka kansi on koristeltu italialaisella minimosaiikilla. Ne ovat taitavasti valmistettuja eivätkä liian yleisiä. Jos olet vieläkin onnekas, löydät sellaisen, jonka kannessa on miniatyyri Sveitsiläinen emali.”

Huolellinen tutkimus, aika ja kärsivällisyys voivat todennäköisesti auttaa musiikkilaatikoiden kerääjää löytämään musiikkilaatikon, jonka koristeisiin hän rakastuu.

Musiikkilaatikon päivämäärä

Musiikkilaatikoiden keräilijän tulee etsiä tiettyjä asioita, kun he yrittävät arvioida musiikkikorulaatikon, upotekoristeisen musiikkilaatikon, balerina-musiikkilaatikon, karusellimusiikkilaatikon ja muiden antiikkisten musiikkilaatikoiden päivämäärää. Keräilijän on tutkittava huolellisesti sen suunnittelu. Jälleen kerran, kirjailija David Tallis sanoo, että “tiukkoja sääntöjä ei tietenkään voi tehdä, mutta jos suunnittelun piirteet osoittavat ajanjakson, jonka laatikon tyyppi ja musiikkiohjelman valinta vahvistaa, voidaan päivämäärästä tehdä melko tarkka arvaus. valmistuksesta.” Esimerkkejä siitä, miltä keräilijät voivat näyttää yrittäessään päivämäärää musiikkirasiaa, kuten Tallinen hahmotteli, ovat seuraavat:

Laminoitu kampa: 1796-1810 Poikkipintakampa ryhmissä 1: 1796-1820 Poikkileikkauskampa 2:n ryhmissä: 1810-1820 Poikkileikkauksellinen yksiosainen kampa: 1820 alkaen

Muita ominaisuuksia, jotka on otettava huomioon musiikkilaatikon päivämäärää arvioitaessa, ovat sen varmistaminen, onko sylinteri ontto vai ilman vahaa. Tämä antaa musiikkirasialle metallisen sävyn ja tarkoittaa, että laatikko on vuodelta 1820. Nämä ovat vain muutamia esimerkkejä siitä, mitä keräilijät voivat etsiä. Jos keräilijä haluaa tietää varmasti musiikkilaatikon päivämäärän, Tallis sanoo: “Täysin varma valmistusvuodesta on vain yksi tapa. Jos laatikko on hopeaa tai kultaa ja englantia, siinä on tunnusmerkki, joka voi etsiä arvokkaasta Frederick Bradburyn kirjasta “Opas brittiläisen ja irlantilaisen hopealevyn alkuperämerkkeihin”. Tämä kirjanen esittelee kaikki tärkeimpien analyysitoimistojen tunnusmerkit 1500-luvun puolivälistä nykypäivään Muita Talliksin suosittelemia kirjoja ovat James Hendersonin “Silver Collecting for Amateurs”,

Lopuksi Al Meekins, Meekins Music Box Companyn omistaja Collingsworthissa, New Jerseyssä, antaa tämän neuvon niille musiikkilaatikoiden keräilijöille, jotka etsivät “Stella”- tai “Mira”-laatikkoa. Meekins sanoo: “Etsi laadukasta konetta, joka ei ole liian pahasti kulunut ja joka on kunnostettavassa kunnossa”. Lisäksi ostaja voi tarkistaa käsityöläisen nimikirjaimet, jotka löytyvät korkin yläosasta, sävelkortista tai musiikkirasiasta.

Monet keräilyesineiden ystävät nauttivat antiikkisten musiikkilaatikoiden, puisten korulaatikoiden, musiikkikorulaatikoiden ja upotekoristeisten musiikkilaatikoiden keräämisestä. Oikean kokoelman löytäminen musiikkilaatikkokokoelman perustamiseen tai olemassa olevan kokoelman lisäämiseen voidaan varmasti tehdä. Noudata yllä olevia vinkkejä ja aloita kerääminen jo tänään.

Kuinka markkinoida musiikkiasi tehokkaammin

Musiikkisi markkinoinnin tunteminen on epäilemättä tärkein asia, jonka voit tehdä musiikkiliiketoiminnallesi ja musiikkiurallesi kokonaisuudessaan. Tiedät, että se on jotain, jota on käsiteltävä, ja jos et yritä opetella markkinoimaan musiikkiasi tehokkaammin, sinun pitäisi tietää, että ainakaan musiikkialan urallasi ei koskaan tapahdu mitään vakavaa.

Ensimmäinen asia, joka kysy itseltäsi, on, hallitsetko tällä hetkellä tehokkaan musiikin markkinointikampanjan peruselementtejä.

Mitä tarkoitan tällä?

Aluksi on tärkeää arvioida, missä olet juuri nyt, ja selvittää, tiedätkö ja ymmärrätkö tarkalleen, mitkä ovat tehokkaan musiikin markkinointikampanjan peruskomponentit? Totta puhuen, jos aiot tehdä mainetta musiikkiteollisuudessa, on tärkeää ymmärtää, että sijoitat paljon henkilökohtaista aikaasi ja rahaasi musiikkiuraasi. Jos olet varma, että ehdoton tavoitteesi on muokata musiikkikykysi todelliseksi “musiikkiliiketoiminnaksi” etkä epäile valitsemaasi urapolkua… silloin haluat olla yhtä tehokas ja tuottava kuin sinä voi mahdollisesti olla.

Useimmat indie-bändeistä ja muusikoista, olivatpa sitten kyse rockista, hiphopista, folkista tai mistä tahansa genrestä, työskentelevät yleensä vain yhden tai kahden tehokkaan musiikkimarkkinoinnin kolmesta olennaisesta vaatimuksesta. Esimerkiksi useimmat muusikot ovat hyviä yhteydenpitoon yleisön kanssa. Mitä Facebookin, Instagramin, Twitterin ja YouTuben yhdistelmässä, viestinnästä on tullut nykyajan muusikolle typerää yksinkertaista.

Toisaalta myyntipyynnöt käsitellään ajoittain tehokkaasti, mutta siihen suhtaudutaan yleensä sattumanvaraisesti ja ilman kaavaa tai siihen liittyviä tarvittavia tiedotuskampanjoita. Tällä kiiltokyvyttömällä lähestymistavalla on taipumus vaimentaa alan kovimminkin työskentelevien bändien ja muusikoiden ponnisteluja. Valitettavasti vain yhden tai jopa kahden näistä avainkomponenteista soveltaminen ilman olennaista kolmatta elementtiä musiikin markkinointikampanjassa ei tuota suurinta tuottoa sijoitetulle ajalle. Tämä ei vain ole tapa markkinoida musiikkia tehokkaasti.

Älä ymmärrä minua väärin, nimesi julkistaminen ja keskusteluihin osallistuminen fanien kanssa voi olla siistiä, jopa itseään ilahduttavaa, ja se on ehdottomasti parempi kuin olla tekemättä mitään, mutta kuvittele kuinka paljon tehokkaampi olisit, jos lähtisit työskentele kaikkien näiden musiikkiliiketoimintasi olennaisten markkinointinäkökohtien parissa kaavan ja täsmälliseen tarkoitukseen aseistettuna.

Ratkaisu tehottomaan musiikkimarkkinointiin

Lopputulos on, että kun purat musiikin tehokkaan markkinoinnin yksityiskohdat, tulee ilmeiseksi, että muusikkona on tärkeää kurittaa itseäsi keskittyäksesi elementteihin, jotka ovat tuottavimpia musiikkiliiketoimintasi kasvun kannalta. Nämä musiikin markkinoinnin ja myynninedistämisen elementit koostuvat helposti seurattavasta prosessista pohjimmiltaan kolmivaiheisesta kaavasta:

Vaihe 1 – Luo tietoisuus: Etsi yleisö, joka arvostaa musiikkityyliäsi, ääntäsi ja identiteettiäsi. Toteuta tarvittavat toimenpiteet musiikillisen viestisi välittämiseksi heille. Kaiken tekemäsi pitäisi luoda tietoisuutta itsestäsi ja musiikistasi aina. Lähesty tätä tarkasti ja lujalla suunnalla, niin musiikkiliiketoiminnan perustasi vahvistuu tuleviksi vuosiksi.

Vaihe 2 – Ota yhteyttä yleisöösi: Mainitsin aiemmin, kuinka typerää helppoa on olla yhteydessä faneihin nykyään. Instagram, Facebook, Twitter, YouTube ja monet muut online-“hangoutit” tekevät tästä prosessista helppoa. Kun olet luonut alustavat pohjatyöt ja saanut yleisösi tietoiseksi siitä, mitä sinulla on tarjottavana, työskentele ylläpitääksesi tärkeitä jatkuvia suhteita faneihisi, mediaan ja kaikkiin tärkeisiin musiikkiliikekontakteihin, joita keräät. tapa. Fanisi ja kontaktisi haluavat tietää, että olet tosissasi. Että välität heistä. Että olet täällä pitkän matkan ajaksi. Luomalla yhteyksiä heidän kanssaan ja pitämällä heidät mukana kasvuprosessissasi varmistat, että tämä tapahtuu sinulle.

Vaihe 3 – myy tavarasi (pyydä myyntiä): Tämä on välttämätöntä. Jos sinulla ei ole myytäviä tuotteita… sinulla EI ole musiikkiliiketoimintaa. Tasaisen ja johdonmukaisen kassavirran luominen musiikkiliiketoimintaasi varten on pitkän aikavälin menestyksesi ensiarvoisen tärkeää. Houkuttele fanit kuluttamaan rahojaan ja ostamaan tavaraasi, niin loput musiikin markkinointiprosessisi sujuvat ja kukoistavat paljon helpommin.

Joo! Se on helpommin sanottu kuin tehty

Ymmärrän, että on helpompaa puhua näistä asioista kuin saada ne tapahtumaan urallasi, mutta tästä musiikkibisneksessä on kyse, joten näiden prosessien sisällyttäminen musiikkibisneskampanjaasi on välttämätöntä, muuten et yksinkertaisesti kestä tarpeeksi pitkä tehdäkseen lommo musiikkimaailmassa.

Ja sitä emme halua musiikkiurallesi… eihän?

Jälleen, saattaa tuntua riittävän helpolta kartoittaa nämä asiat paperille, mutta totuus on, että useimmat bändit ja muusikot löytävät sata ja yksi tapa pilata tämä.

Joko käytät liian paljon aikaa tietoisuuden luomiseen ja yhteydenpitoon yleisöösi, mutta et sitten pyydä myyntiä. Tai kysyt myyntitapaa usein ja unohdat yhteydenpidon ihmisiin. Mainitsin aiemmin, että on siistiä tehdä kaikkea gung-hoa, olla kiireinen ja suunnata sinne ja tehdä paljon musiikkimarkkinointia, mutta jos et kosketa tämän prosessin kaikkia kolmea elementtiä musiikin markkinoinnissa , kaipaat venettä ja mikä tärkeintä… te fanit eivät “tuntea” tunnelmaasi. He eivät vain saa yhteyttä sinuun syvemmällä tasolla. Ilman yhteyttä ei ole myyntiä ja ilman myyntiä sinulla ei ole musiikkiliiketoimintaa.

Älä putoa markkinoinnin musiikkiliiketoiminnan ansaan

Olet nähnyt heidät. Niitä on kaikkialla. Ontuvia lehdistötiedotteita, joita muusikot rakastavat nykyään lähettää. Nämä lehdistötiedotteet julkaistaan ​​ja toimitetaan postilaatikkooni päivittäin otsikoilla, kuten: “Johnny Come Lately, 123 How To Rock & Roll Bandin uusin albumijulkaisu”. Mene eteenpäin… myönnä se. Olet luultavasti lähettänyt jotain tällaista itsekin joskus.

Valitettavasti tässä spray- ja rukoustekniikassa on joitain ongelmia, jotka tulevat räikeän ilmeisiksi, kun asetat tällaisen otsikon kolmivaiheista prosessiani vastaan. Katso lehdistötiedote käsittelee “Creating Awareness” -näkökohtaa ja jopa koskettaa kevyesti “Selling Your Stuff” -vaihetta, mutta se ei saa yhteyttä ja että ystäväni ei ole ei. Se on 100% kiinnostunut itsestään ja valitettavasti se epäonnistuu joka kerta, kun sitä käytetään.

Fanit ja media näkevät tämän läpi. Bändi haluaa vain rahaa. Jostain tuntemattomasta syystä yhtye odottaa meidän siirtyvän heidän lehdistötiedotteessaan olevaan linkkiin ja napsauttavan osta-painiketta. Mutta missä on yhteys? Entä tietoisuus, jota tarvitsemme ENNEN kuin he pyytävät myyntiä?

Ajattele sitä. Oletko koskaan ostanut albumia tai jotain, ilman minkäänlaista tunneyhteyttä? Todennäköisesti et ole. Jos luulet… mieti sitä uudelleen. Olen varma, että pohdit ja ymmärrät, että ostoksesi liittyy varmasti jonkinlaiseen yhteydenpitoon. Muusikoiden, jotka tekevät tämän anteeksiantamattoman markkinointivirheen, pitäisi hävetä itseään. Jos tämä on ainoa tapa mainostaa ja markkinoida musiikkiasi, kestää noin tunti tulosten seuraamiseen.

Olen valmis lyömään vetoa siitä, että se ei ole kovin rohkaisevaa.

Jätätkö rahaa pöydälle?

Katsotaan nyt kääntöpuolta. Entä muusikot, jotka ovat meihin mestarillisesti yhteydessä, mutta eivät koskaan pyydä myyntiä? Olet kokenut sen ja rehellisesti sanottuna, luultavasti rakastat heitä. Kaivaat heidän musiikkiaan, rakastat heidän läsnäoloaan lavalla ja rakastat kuulla heistä. Mutta kun haluat tukea heitä ja osoittaa rakkautesi… et vain tiedä minne mennä. He eivät koskaan kerro sinulle, mistä voit ostaa heidän tavaroitaan.

Eikö se ole loistava menestyksen kaava?

Jos et pyydä myyntiä, petät fanisi. Bändejä rakastavat fanit ostavat mielellään “tavaraa” bändeiltä. Et voi pudottaa palloa tälle. Ilman kassavirtaa et yksinkertaisesti menesty musiikkialalla. Musiikkialan työskentely ilman kassavirtaa on liian kallista. Hauskuus kuivuu nopeasti, kun rahaa valuu jatkuvasti, mutta ei koskaan palaa sisään. Älä ole se bändi, älä ole se muusikko.

Kuinka saada 3-vaiheinen musiikkimarkkinointikaava toimimaan sinulle

Ymmärrän, että sinulla ei ehkä ole paljon aikaa elämässäsi. Saatat olla töissä 9-5 tässä vaiheessa tai ehkä kiertueaikataulusi on hullu. Riippumatta nykyisestä tilanteestasi, on tärkeää käyttää aikaa näiden kolmen toiminnon toteuttamiseen musiikkiliiketoimintasi promootioissa. Aloita vähentämällä television katselutuntia joka päivä ja käyttämällä se aika tietoisuuden lisäämiseen musiikistasi.

Ota selvää, missä fanisi viettävät aikaa, ja ole aktiivinen heidän kanssaan. Kerro heille, mitä olet tekemässä. Luo kulissien takana videoita studiotallennusistunnoistasi ja kiertuematkoistasi pakettiautossa matkalla seuraavalle keikallesi. Anna fanien tietää, kuka olet. Anna heidän nähdä sinut tosielämän tilanteissa. Tämä luo suhdetta ja yhteyttä koko ajan, kun rakennat tietoisuutta… kaksinkertaista.

Mitä teet kun käyt kylpyhuoneessa? Henkilökohtainen kysymys tiedän, mutta pysy minussa hieman. Ota älypuhelimesi mukaan ensi kerralla ja sen sijaan, että lukisit viimeisimmät Facebook-päivitykset, postaa jotain oleellista fanisivullesi. Vastaa yhteen tai kahteen fanikysymykseesi aikajanallasi tai twiittaa ne kaikkien nähtäville. Mikset jaa tai twiitata uudelleen faniviestiä? Toisin sanoen, ole yhteydessä yleisöösi päivittäin vähintään 15-20 minuuttia. Löydä aika tavalla tai toisella.

Me kaikki voimme löytää 20 minuuttia päivästä, jos todella haluamme.

Ilman tuotteita sinulla ei ole musiikkiyritystä

Lopuksi myynnin pyytäminen tapahtuu sen seurauksena, että tuotteita on markkinoilla. Eikö sinulla ole vielä tuotteita? Mitä odotat? Nauhoita live-esityksesi, mene studioon, luo DVD-dokumentti. Muista, että jos sinulla ei ole tuotteita, sinulla ei ole musiikkiliiketoimintaa. Ole kiireinen.

Kun olet käsitellyt kolmivaiheisen musiikin markkinointikaavan tietoisuus- ja yhteysnäkökohdat, myynnin pyytäminen on helppoa. Todelliset fanit todella haluavat ostaa tavarasi. Jos kysyt näyttämättä töykeältä tai ahneelta, he ostavat. On tärkeää tarjota enemmän tietoisuutta lisäävää sisältöä ja olla yhteydessä faneihin enemmän kuin kysyt myynnistä, mutta jumalan tähden… ÄLÄ unohda kysyä.

Näiden kolmen musiikin elementtien tehokkaan markkinoinnin käyttäminen urallasi ei vain auta kasvattamaan musiikkiliiketoimintaasi, vaan vie sinut oikealle tielle kohti pitkäaikaista, pitkäikäistä musiikkiuraa. Sanan levittäminen (Create Awareness), fanikunnan rakentaminen (Yhdistä yleisöösi) ja rahan ansaitseminen (Ask for the Sale) vie sinut viime kädessä musiikkialan menestyksen tielle.

Todennäköisesti tuhoat jo potentiaalisi menestyä musiikkiteollisuudessa, koska uskot yhteen tai useampaan musiikin uramyyttiin. Mistä tiedän? Minulle lähetetään jatkuvasti sähköpostiviestejä useilta muusikoilta (kaikki etsivät vastauksia VÄÄRIIN kysymyksiin). Nämä ovat kysymyksiä, jotka saattavat tuntua hyviltä kysymyksiltä huipputasolla, mutta ovat todella vahingollisia kysymyksiä, jotka vievät heidät kauas heidän musiikillisista unelmistaan.

Jotta voisit koota menestyksekkään uran musiikin parissa mahdollisimman pian, sinun on tiedettävä kysymykset, joihin sinun EI tarvitse etsiä vastauksia, ja ymmärtää, kuinka kysyä paljon korkealaatuisempia kysymyksiä, jotka vievät sinut oikealle tielle kohti musiikkialan tavoitteesi.

Nämä ovat 4 huonointa musiikkiurakysymystä, joita sinun tulee välttää, jotta voit rakentaa menestyneen uran ammattimuusikkona:

Huono musiikkiura Kysymys # 1: Onko minun ryhdyttävä “nälkäiseksi artistiksi”?

Monet ihmiset uskovat, että elantonsa hankkiminen ammattimuusikkona tarkoittaa yhtä kahdesta asiasta: joko ‘tekee’ ja lähdet kiertämään maailmaa ja myyt miljoonia albumeita tai sinusta tulee nälkäinen artisti ja joudut soittamaan surkeita baareja ja katukulmia vain pärjätäkseen. Tämä musiikkiliiketoiminnan myytti sabotoi ihmisten uraa alusta alkaen joko saamalla heidät uskomaan, että heidän täytyy saada kokopäivätöitä, jotka eivät liity musiikkiin, ja “yrittää tehdä musiikkia sivussa”, tai pelkäämällä yrittävänsä päästä musiikkialalle.

Tosiasia on, että musiikkiala koostuu suuresta keskiluokasta ja on olemassa lukemattomia tapoja ansaita elantonsa. Yllätyt kuinka helppoa on ansaita hyvä elanto musiikkiteollisuudessa verrattuna menestymiseen ulkopuolisella alalla. Ennen kuin ansaitset paljon rahaa, sinun on kuitenkin lopetettava heikkolaatuisten kysymysten esittäminen. Lakkaa murehtimasta nälkäiseksi taiteilijaksi tulemisesta ja ala kuvitella kaikkia erilaisia ​​tapoja ansaita rahaa muusikkona.

Kun työskentelet musiikkialalla, sinun ei tarvitse elää palkasta toiseen, kuten tavallisessa päivätyössä. Sen sijaan on aina mahdollista ansaita useita tulonlähteitä samanaikaisesti. Tämä tekee ammattimuusikoksi ryhtymisestä paljon vakaamman uran valinnan, koska sinun ei tarvitse olla riippuvainen vain yhdestä tulolähteestä. Niiden ilmeisten tapojen lisäksi, joilla muusikot pyrkivät ansaitsemaan rahaa musiikilla (albumien/latausten myynti, live-esitysten soittaminen tai äänitys istuntomuusikkona), on yksi asia, jonka voit tehdä juuri nyt, mikä lisää nopeasti musiikkiin liittyviä tulojasi:

Aloita musiikinopetusyrityksen kasvattaminen. Tämä tuottaa välittömästi useita tulonlähteitä (opiskelijoillesi), kun työskentelet paljon vähemmän kuin kokoaikatyötä viikossa.

Kun rakennat monia musiikillisen tulonlähteitä, kuten yllä on käsitelty, on hyvin mahdollista (ja ei niin vaikeaa kuin luulisi) ansaita vuosittain yli 100 000 dollaria musiikkiurallasi (tiedän tämän, koska olen auttanut monia muusikoita se).

Huono musiikkiura Kysymys 2: Kuinka saan levytyssopimuksen?

Ymmärtääksesi, miksi tämä ei ole hyvä kysymys, vastaa tähän: “Miksi jonkun pitäisi antaa SINULLE levytyssopimus?” Jos luulet sen johtuvan siitä, että kirjoitat hyvää musiikkia… yritä uudelleen. Tämä ei ole koskaan tarpeeksi hyvä syy sille, että joku allekirjoittaa sinulle levytyssopimuksen. Kukaan ei aio sijoittaa sinuun tuhansia dollareita vain siksi, että osaat kirjoittaa hyvää musiikkia. Tämä olisi TOSI liian riskialtista sijoitusta (niin paljon, ettei siinä ole edes järkeä). Kuvittele, että säästät 200 000 dollaria, menisitkö sitten kasinolle ja laittaisitko kaiken peliin yhdellä ruletin pyöräytyksellä? VAI sijoittaisitko sen sen sijaan johonkin, joka on osoittanut voivansa ansaita vielä enemmän (ainakin pienemmällä tasolla)? Epäilemättä tekisit viisaan valinnan ja sijoittaisit sen henkilöön, joka auttaisi sinua tienaamaan enemmän. Näin levy-yhtiöt ajattelevat. Joten lopeta ihmetteleminen, kuinka voit allekirjoittaa levytyssopimuksen ja ala tehdä itsestäsi “viisas sijoitus”, jonka mikä tahansa levy-yhtiö näkisi välittömästi arvokkaana. Tämä vaatii paljon muutakin kuin hyvän musiikin kirjoittamista, soittimen hyvää soittamista tai Facebook-sivun pitämistä.

Tässä on toimet, jotka sinun tulee tehdä tehdäksesi itsestäsi arvokkaan sijoituksen levy-yhtiölle:

1. Ymmärrä, mitä musiikkiteollisuus etsii muusikoilta, ennen kuin he alkavat työskennellä heidän kanssaan.

2. Työskentele joka päivä rakentaaksesi musiikkiuraasi. Levy-yhtiöt haluavat nähdä, että sinulla on hyvä kokemus, ennen kuin ne alkavat työskennellä kanssasi. Mitä enemmän teet itsenäisenä muusikkona, sitä todennäköisemmin saat levy-yhtiön kiinnostuksen.

3. Hanki musiikkialan koulutusta menestyneeltä mentorilta, joka on jo tehnyt suuria asioita musiikkiteollisuudessa ja auttanut muita solmimaan levytyssopimuksia.

Kun aloitat kehittämään musiikkiuraasi yksin, teet itsestäsi kuin valon majakka ja levy-yhtiöt tulevat etsimään SINUA!

Huono musiikkiura Kysymys 3: Kuinka saan musiikkini “kuulemaan” useamman ihmisen?

Suurin osa muusikoista haluaa saada musiikkinsa kuulluksi mahdollisimman monien ihmisten keskuudessa uskoen, että tämä auttaa heitä ansaitsemaan rahaa ja tulemaan menestyneiksi ammattilaismuusikoiksi. Musiikkiasi kuuntelevien ihmisten määrä ei kuitenkaan sinänsä ole kovin merkittävää. Tärkeintä on se, kuinka paljon ihmisiä pystyt muuttamaan erittäin omistautuneiksi faneiksi, jotka tekevät mitä tahansa tukeakseen sinua ja musiikkiasi.

Älä kysy itseltäsi, kuinka saada enemmän ihmisiä kuulemaan musiikkiasi, ja ala muuttaa kenestä tahansa, joka on jo fanisi, todelliseksi FANAATIIKSI. Vasta sen jälkeen, kun olet laatinut strategian, jolla “satunnaisista faneista” tulee “hardcore-fanaatikoita”, musiikkiasi kuulevien ihmisten kokonaismäärällä alkaa olla merkitystä.

Huono musiikkiura Kysymys #4: Mikä on paras musiikkikaupunki muuttaa?

Monet muusikot uskovat menestyvänsä paljon todennäköisemmin musiikkiteollisuudessa muuttamalla “musiikkikaupunkiin”. Sitten tämä uskomus mielessään he pakkaavat tavaransa ja liikkuvat uskoen, että mahdollisuudet yksinkertaisesti “pudoavat heidän syliinsä” saapuessaan. Kun he ovat olleet uudessa paikassa jonkin aikaa ja mikään ei ole muuttunut, he syyttävät siitä kaupunkia ja etsivät uutta paikkaa muuttaakseen (vaikka he eivät ole täysin tietoisia TODELLA syistä, miksi he eivät menesty).

Tässä on totuus “sijainnista”, joka johtaa menestykseen musiikkiteollisuudessa: sijainnillasi ei ole mitään tekemistä kykysi kanssa tulla menestyväksi ammattimuusikoksi. Tämä pätee erityisesti nykyään, kun jonkun on helpompi kuin koskaan hankkia levytyssopimus, esittää musiikkia, järjestää maailmankiertueita tai työskennellä sessimuusikkona asuinpaikasta riippumatta. Hyvin menestyneistä muusikoista ei tule sellaisia, koska he asuivat mieluummin yhdellä alueella kuin toisella. Jos tämä olisi totta, kaupungeissa, jotka eivät tunneta suurista musiikkiskeneistä, asuisi nolla menestyvää muusikkoa. Periaatteet, jotka johtavat menestyksekkään musiikkiuran kehittämiseen, pätevät täsmälleen samat asuinpaikasta riippumatta.

Sen sijaan, että yrittäisit tehdä massiivisia (hukkaa) ponnisteluja parhaan musiikkiskenen etsimisessä ja löytämisessä, käy läpi seuraava prosessi, jonka on TODETTU toimivan muusikoiden parissa:

1. Määritä erityiset musiikilliset tavoitteesi.
2. Aloita yhteistyö musiikkialan mentorin kanssa luodaksesi tehokkaan strategian saavuttaaksesi musiikilliset tavoitteesi.
3. Työskentele joka päivä päästäksesi lähemmäksi tavoitteidesi saavuttamista, kunnes saavutat ne.

Kun keskityt tärkeimpään (käyttämällä yllä olevaa prosessia), saavutat menestystä musiikkiurallasi paljon nopeammin.

Nyt kun olet oppinut, miksi monet yleiset musiikkiurakysymykset ohjaavat musiikkiurasi väärälle tielle, tässä on mitä sinun on tehtävä palataksesi oikealle tielle:

Vaihe 1. Mieti syvällisemmin musiikkiurasi tavoitteita. Käytä tämän artikkelin resursseja saadaksesi selvyyttä musiikkiteollisuuden toiminnasta.

Vaihe 2. Ala kysyä itseltäsi laadukkaita kysymyksiä johdonmukaisesti, kun yrität selvittää, mitä sinun on tehtävä saavuttaaksesi musiikkiurasi tavoitteet.

Vaihe 3. Älä rakenna musiikkiuraasi yksin. Hanki musiikkiliiketoiminnan koulutus saavuttaaksesi nopeasti suuria asioita musiikkiteollisuudessa.

Tom Hess on levytaiteilija, online-kitaranopettaja ja musiikin uran mentori . Hän soittaa kitaraa Rhapsody Of Fire -yhtyeessä. Vieraile hänen muusikon kehityssivustollaan tullaksesi paremmaksi muusikoksi, saat ilmaisia ​​musiikkialan neuvoja, musiikin uravinkkejä ja ammattimaisia ​​musiikkialan neuvoja.

Musiikin sanastot ja tarkoitukset

Monia vuosia sitten minulla oli korkeakouluystävä, joka oli abstraktin taidemaalarin Marc Rothkon evankelioimisharrastaja. Muistan hänen pursuttavan Rothkon töiden luetteloa samalla kun ajattelin, että minun täytyy olla esteettinen haaste; En vain “saanut” sitä. Loppujen lopuksi suurin osa maalauksista oli vain suuria värillisiä suorakulmioita, joissa oli pieniä epäsäännöllisyyksiä ja kontrastisia reunuksia tai raitoja. Kaikki tutut viivan ja muodon, perspektiivin ja varjon vertailupisteet olivat poissa. Voisin arvostaa niitä “suunnitteluna”, mutta en “taiteena”. Vaikka ne olivat tarpeeksi miellyttäviä, en ymmärtänyt, miksi kukaan rapsodisoituisi näistä abstraktioista… ennen kuin näin ne ensimmäistä kertaa itse henkilökohtaisesti – täysin erilainen kokemus! Kun tapasin heidät Modernin taiteen museossa, he kirjaimellisesti pysäyttivät minut, kumoamalla tietoisen ajatuksen ja syöttäen minut välittömästi muuttuneeseen tilaan. Ne eivät olleet vain litteitä kankaita seinällä, vaan ne näyttivät enemmän eläviltä olennoilta, jotka sykkivät ja sykkivät resonanssissa aallonpituudella, jolla oli perustavanlaatuinen yhteys asioiden Lähteeseen. Olin järkyttynyt. He eivät “ilmaineet” tunnetta – ne olivat enemmän kuin tunteita itse, eivätkä ne näyttäneet minusta, Rothosta tai keneltäkään muulta henkilökohtaiselta. Kun myöhemmin katsoin Rothkon teosten jäljennöksiä kirjoista, ne palasivat tasaisiin väritilkkuihin. Siellä oli muisto, mutta ei uusinta kokemuksestani. Tämä oli kokemus, joka riippui alkuperäisen esineen läsnäolosta ( sykkii ja sykkii resonanssissa aallonpituudella, jolla oli perustavanlaatuinen yhteys asioiden Lähteeseen. Olin järkyttynyt. He eivät “ilmaineet” tunnetta – ne olivat enemmän kuin tunteita itse, eivätkä ne näyttäneet minusta, Rothosta tai keneltäkään muulta henkilökohtaiselta. Kun myöhemmin katsoin Rothkon teosten jäljennöksiä kirjoista, ne palasivat tasaisiin väritilkkuihin. Siellä oli muisto, mutta ei uusinta kokemuksestani. Tämä oli kokemus, joka riippui alkuperäisen esineen läsnäolosta ( sykkii ja sykkii resonanssissa aallonpituudella, jolla oli perustavanlaatuinen yhteys asioiden Lähteeseen. Olin järkyttynyt. He eivät “ilmaineet” tunnetta – ne olivat enemmän kuin tunteita itse, eivätkä ne näyttäneet minusta, Rothosta tai keneltäkään muulta henkilökohtaiselta. Kun myöhemmin katsoin Rothkon teosten jäljennöksiä kirjoista, ne palasivat tasaisiin väritilkkuihin. Siellä oli muisto, mutta ei uusinta kokemuksestani. Tämä oli kokemus, joka riippui alkuperäisen esineen läsnäolosta ( s teoksia kirjoissa, ne palasivat tasaisiin väritilkkuihin. Siellä oli muisto, mutta ei uusinta kokemuksestani. Tämä oli kokemus, joka riippui alkuperäisen esineen läsnäolosta ( s teoksia kirjoissa, ne palasivat tasaisiin väritilkkuihin. Siellä oli muisto, mutta ei uusinta kokemuksestani. Tämä oli kokemus, joka riippui alkuperäisen esineen läsnäolosta (taide: tosiasia ).

Sävelmä ei ole sävel

Vietin varhaisen musiikillisen elämäni työskennellen enimmäkseen musiikin parissa, joka käytti esitystaiteen kaltaista kokoelmaa tuttuja musiikillisia konventioita luodakseen vaikutuksensa. On olemassa monia melodian, kontrapunktin, rytmin, harmonian ja rakenteen sanastoja, jotka asettavat musiikin sellaiseen muotokontekstiin, joka tekee siitä kuulijalle ymmärrettävän. “Ymmärrettävä” ei ole täsmälleen sitä, mitä tarkoitan – se viittaa siihen, että musiikki välittää vain älyllisiä ideoita, kun taas itse asiassa se välittää ja ilmaisee monia ideoita, tunteita, tuntemuksia ja assosiaatioita. Mutta perinteisissä musiikin muodoissa on “ymmärrettävyyden” elementti, joka riippuu yhteisestä muodollisesta ilmaisusanastosta. On tuttuja elementtejä, joita kuuntelijat ankkuroivat reaaliaikaisen kokemuksensa sävellyksestä, muodollisia tai äänielementtejä, jotka on lainattu muista aiemmin luoduista ja kuunneltuista kappaleista. Kun huomaan hyräileväni sävelmää Beethovenin sinfoniasta tai vetoavani johonkin sen tunnusomaisista rytmeistä (dit-dit-dit-DAH), pelkistän monimutkaisen äänikuvakudoksen abstraktioksi, lyhenteeksi, jonka muut sinfoniaa tuntevat voivat helposti tunnistaa. musiikkia. Saatan pystyä jakamaan musiikillisen idean muiden muusikoiden kanssa nuotinkirjoituksen abstraktion avulla. Mutta “sävelmä” ei ole “ääni”, ja “sävel” ei ole “ääni”. Se on idea, jopa voimakas idea, mutta kun huomaan hyräileväni sävelmää, tiedän, että olen jollain tavalla “kuluttanut” musiikin, pelkistänyt sen konventionaalisten käytäntöjen osaksi, purkanut ja rekonstruoinut sen omia tarkoituksiani varten. . Kun huomaan hyräileväni sävelmää Beethovenin sinfoniasta tai vetoavani johonkin sen tunnusomaisista rytmeistä (dit-dit-dit-DAH), pelkistän monimutkaisen äänikuvakudoksen abstraktioksi, lyhenteeksi, jonka muut sinfoniaa tuntevat voivat helposti tunnistaa. musiikkia. Saatan pystyä jakamaan musiikillisen idean muiden muusikoiden kanssa nuotinkirjoituksen abstraktion avulla. Mutta “sävelmä” ei ole “ääni”, ja “sävel” ei ole “ääni”. Se on idea, jopa voimakas idea, mutta kun huomaan hyräileväni sävelmää, tiedän, että olen jollain tavalla “kuluttanut” musiikin, pelkistänyt sen konventionaalisten käytäntöjen osaksi, purkanut ja rekonstruoinut sen omia tarkoituksiani varten. . Kun huomaan hyräileväni sävelmää Beethovenin sinfoniasta tai vetoavani johonkin sen tunnusomaisista rytmeistä (dit-dit-dit-DAH), pelkistän monimutkaisen äänikuvakudoksen abstraktioksi, lyhenteeksi, jonka muut sinfoniaa tuntevat voivat helposti tunnistaa. musiikkia. Saatan pystyä jakamaan musiikillisen idean muiden muusikoiden kanssa nuotinkirjoituksen abstraktion avulla. Mutta “sävelmä” ei ole “ääni”, ja “sävel” ei ole “ääni”. Se on idea, jopa voimakas idea, mutta kun huomaan hyräileväni sävelmää, tiedän, että olen jollain tavalla “kuluttanut” musiikin, pelkistänyt sen konventionaalisten käytäntöjen osaksi, purkanut ja rekonstruoinut sen omia tarkoituksiani varten. . lyhenne, jonka muut musiikin tuntemattomat tunnistavat helposti. Saatan pystyä jakamaan musiikillisen idean muiden muusikoiden kanssa nuotinkirjoituksen abstraktion avulla. Mutta “sävelmä” ei ole “ääni”, ja “sävel” ei ole “ääni”. Se on idea, jopa voimakas idea, mutta kun huomaan hyräileväni sävelmää, tiedän, että olen jollain tavalla “kuluttanut” musiikin, pelkistänyt sen konventionaalisten käytäntöjen osaksi, purkanut ja rekonstruoinut sen omia tarkoituksiani varten. . lyhenne, jonka muut musiikin tuntemattomat tunnistavat helposti. Saatan pystyä jakamaan musiikillisen idean muiden muusikoiden kanssa nuotinkirjoituksen abstraktion avulla. Mutta “sävelmä” ei ole “ääni”, ja “sävel” ei ole “ääni”. Se on idea, jopa voimakas idea, mutta kun huomaan hyräileväni sävelmää, tiedän, että olen jollain tavalla “kuluttanut” musiikin, pelkistänyt sen konventionaalisten käytäntöjen osaksi, purkanut ja rekonstruoinut sen omia tarkoituksiani varten. .

Ambient-musiikki, ja erityisesti ambient-musiikkityyppi, jota kutsun “äänimaisemaksi”, hylkää tai ainakin löysää monia näistä käytännöistä. Yleisesti ottaen ei yleensä ole hummuttavaa melodiaa, usein ei toistuvaa rytmimallia, ja jos on suurempi “muoto”, se ei yleensä ole mitään tuttua tai tunnistettavaa, edes älykkäille musiikkitieteilijöille – se saattaa olla säveltäjälle täysin omalaatuista. Jopa “instrumenttien” sanasto on sujuvaa ja liian laajaa pidettäväksi mielessä. Elektronisesti luotujen tai kenttätallenteista peräisin olevien ja manipuloitujen äänien runsauden ansiosta on harvinaista, että erotettavissa olevat ja tunnistettavat instrumentit tai äänet voidaan tunnistaa – toisin sanoen “nimetä”. 1800-luvun lopun ja 1900-luvun alun klassiset säveltäjät työskentelivät kovasti yrittääkseen poistaa yksittäisten instrumenttien tutut rajat käyttämällä epätavallisia instrumentaaliyhdistelmiä ja laajennettuja instrumentaalitekniikoita äänilinjojen hämärtämiseen. Ambient-musiikki vie tämän vielä pidemmälle. Ambient-säveltäjien äänipaletti on monipuolisempi ja vähemmän “nimeämisen” kohteena kuin säveltäjillä, jotka käyttävät sävellyksiensä esittämiseen perinteisten instrumenttien yhtyeitä. Vaikka tietäjä voi tunnistaa äänilähteen kuuluvan tiettyyn menetelmään (analoginen, FM, näytteiden käsittely jne.), äänien diffuusi miksaus ja morfointi voi hämmentää jopa asiantuntijoita. Ambient-säveltäjien äänipaletti on monipuolisempi ja vähemmän “nimeämisen” kohteena kuin säveltäjillä, jotka käyttävät sävellyksiensä esittämiseen perinteisten instrumenttien yhtyeitä. Vaikka tietäjä voi tunnistaa äänilähteen kuuluvan tiettyyn menetelmään (analoginen, FM, näytteiden käsittely jne.), äänien diffuusi miksaus ja morfointi voi hämmentää jopa asiantuntijoita. Ambient-säveltäjien äänipaletti on monipuolisempi ja vähemmän “nimeämisen” kohteena kuin säveltäjillä, jotka käyttävät sävellyksiensä esittämiseen perinteisten instrumenttien yhtyeitä. Vaikka tietäjä voi tunnistaa äänilähteen kuuluvan tiettyyn menetelmään (analoginen, FM, näytteiden käsittely jne.), äänien diffuusi miksaus ja morfointi voi hämmentää jopa asiantuntijoita.

Virtuosisuuden epäolennaisuus

Muusion virtuositeetti, joka on usein tärkeä elementti muissa musiikkilajeissa, korvataan ambient-musiikkimaailmassa suurelta osin säveltäjän taidolla äänen muotoilussa ja muotoilussa. Hitaat tempot ovat yleisiä, ja arpeggiaattorit ja sekvensserit estävät suurelta osin ambient-muusikoiden tarpeen kehittää kehittyneitä kosketinsoitotaitoja. Voidaan luoda monimutkaisia ​​ja nopeita sekvenssejä, jotka uhmaavat jopa mahtavien esiintyjien kykyjä. Vaikka on totta, että monet ambient-muusikot esiintyvät reaaliajassa, useimmat eivät. Jopa “suorituskyvyn” käsite katoaa suurelta osin. Useimmat äänimaisemat ovat äänitettyjä teoksia; Lavalla esiintyvät esiintyjät eivät yleensä pysty toistamaan niitä reaaliajassa. Äänentuotantolaitteistoista ja ohjelmistoista tarvitaan lisää teknistä tietämystä, mutta loppujen lopuksi siitä tulee näkymätöntä kuuntelijalle,

Äänien miksaus studiossa antaa ambient-säveltäjille mahdollisuuden manipuloida ja sijoittaa ääniä vapaasti stereokenttään ilman tarvetta esittää tilallisesti virtuaalista esiintyvää kokonaisuutta. Näistä elementeistä tulee osa sävellystä, kun taas muissa musiikkigenreissä miksaus – missä sitä voidaan ohjata – on enemmän tehostetta tai erikoistehostetta kuin sävellysominaisuutta. Jotkut ambient-säveltäjät eivät edes erota miksausprosessia sävellyksestä. Minulla on tapana miksata matkallani, koska dynamiikka, tehosteet ja sijoittelu stereokenttään ovat kaikki sävellyksiäni oleellisia ominaisuuksia.

Huonekalu musiikki

Mainitsen nämä ambient-musiikin elementit, koska niillä on vaikutusta siihen, kuinka voisimme lähestyä genreä kuuntelijoina. En halua väittää, että on olemassa vain yksi kapea “tapa” kuunnella ambient-musiikkia. Itse asiassa osa genren rikkautta on se, että se soveltuu erilaisiin kuuntelumenetelmiin. Itse asiassa yksi suosittu tapa kuunnella ambient-musiikkia on jättää se enimmäkseen huomiotta. Tätä voisin kutsua ympäristölähestymistapaksi. Täällä ääntä käsitellään – Erik Satien ikonisin sanoin – “huonekalumusiikkina”. Sitä soitetaan, luultavasti erittäin alhaisella tasolla, taustalla, samalla kun “kuuntelija” tekee asioitaan ympäristössä. Musak tai “hissimusiikki” oli varhainen institutionaalinen – joskin mautonta – ympäristömusiikin muoto. Julkisissa asetuksissa, ympäristömusiikilla on yleensä jokin agenda takanaan; se voidaan suunnitella saamaan ihmiset viipymään tilassa tai jopa poistumaan (klassinen musiikki ostoskeskuksissa ääni-aseena teiniryhmien hajottamiseksi). Se voi olla tarkoitettu rauhoittamaan ihmisiä tai saamaan heidät käyttämään vapaammin (tutkimus näiden taktiikkojen tehokkuudesta ei ole vakuuttavaa). Ravessa on “chill room”, jossa ylistimuloidut raverit voivat viilentää tai rauhoittua psyykkisesti. Jotkut sairaalat ovat alkaneet käyttää ambient-musiikkia luodakseen rauhoittavan ympäristön toipuville potilaille. tai saada heidät käyttämään vapaammin (tutkimus näiden taktiikkojen tehokkuudesta ei ole vakuuttavaa). Ravessa on “chill room”, jossa ylistimuloidut raverit voivat viilentää tai rauhoittua psyykkisesti. Jotkut sairaalat ovat alkaneet käyttää ambient-musiikkia luodakseen rauhoittavan ympäristön toipuville potilaille. tai saada heidät käyttämään vapaammin (tutkimus näiden taktiikkojen tehokkuudesta ei ole vakuuttavaa). Ravessa on “chill room”, jossa ylistimuloidut raverit voivat viilentää tai rauhoittua psyykkisesti. Jotkut sairaalat ovat alkaneet käyttää ambient-musiikkia luodakseen rauhoittavan ympäristön toipuville potilaille.

Kotiympäristössä ympäristön ambient-musiikki on itsevalittua ja säädeltyä. Kodissamme on useita äänitteitä, joita käytetään nimenomaan ympäristön kuunteluun. Kumppanini pitää parempana CD:tä, jossa on sateen, tuulikellojen ja tiibetiläisten kellojen ääniä. Hän käyttää usein tätä äänimaisemaa maalatessaan. Musiikin valinta tähän tarkoitukseen on tärkeää. Hänen suosikkimaalaus-CD-levyllään ei ole etenemistä – ei alkua, keskikohtaa tai loppua. Ei ole mielenkiintoista kehitystä, teemoja tai dramaattisia äänivälimerkkejä. Siitä puuttuu rytmi, melodia ja harmonia. Se tehokkaasti “jäädyttää” (tai ehkä sana on “vapauttaa”) ajan ikuiseen nykyhetkeen ja auttaa luomaan – hänelle – ympäristön, joka on erityisen miellyttävä hänen taideharjoittelleen. Omassa tapauksessani Käytän erilaisia ​​äänimaisemia ympäristön taustana t’ai chi -harjoitteluuni. Tyypillisesti tähän tarkoitukseen valitsemissani äänikuvioisissa on tyypillisesti hieman enemmän rytmiä ja virtausta (tämä näyttää helpottavan liikkeen sujuvuutta), mutta välttelen kaikkea, mikä on liian musiikillista kiinnostusta t’ai chille, koska haluan keskittyä hengityksiini ja liikkeeni.

Musiikkia meditaatioon

Jotkut ihmiset käyttävät ambient-musiikkia meditaatioon, ja tämä ansaitsee oman keskustelunsa. Monet ihmiset, jotka alkavat ensin meditoida, ovat tyrmistyneet huomatessaan, kuinka paljon henkistä puhetta tai “melua” synnyttää “apinamieli”, joka on oletusarvoinen valvetila ihmistietoisuudessa. Yritykset tukahduttaa loputon ajatusvirta eivät ole vain hedelmättömiä, vaan jopa haitallisia, koska ne lisäävät henkistä toimintaa. Joillekin ihmisille hiljainen, rentouttava musiikki rauhoittaa yliaktiivista mieltä, samalla rauhoittaa kehoa ja houkuttelee avaruutta ilman erityistä tekniikkaa. Myönnettäköön, että suuri osa kaupallisesti “rentoutumismusiikkina” myytävästä on tyhjyyttä ja sakkariinia; se ei tietenkään auta minua rentoutumaan. Vaativamman kuuntelijan taiteellisen arvon on oltava “rentoutumisen” kriteeri. musiikkia. Olen luultavasti ylimielinen tästä, mutta minusta “tietoisen” ja “mielettömän” musiikin välillä on selvä ero. Vaikka tavaratalojen kioskit, joissa on harppu- ja merenrantaääniä, voivat houkutella suuria joukkoja, löydän harvoin paljon sisältöä näissä äänimakuissa; on paljon parempia vaihtoehtoja edistää ilmapiiriä, joka edistää rentoa ja notkeaa mieltä.

Brainwave Entrainment

Kun etsit musiikkia meditaatioon, harkitse 60 lyöntiä minuutissa tai hitaampia tempoja, koska syke pyrkii luonnollisesti ottamaan mukaan perustempoon ja matala leposyke on toivottava meditatiivisiin tiloihin pääsemiseksi. Harkitse myös musiikkia, joka käyttää binauraalisia lyöntejä. Nämä luodaan tavallisesti eri sävyillä vasemmassa ja oikeassa kanavassa, ja ne voivat vähitellen ja hienovaraisesti ohjata aivot rentoutumaan alemman taajuuden aivoaaltoille, tavallisesta valveillaolosta (beeta-aallot: 14-40 Hz) rentoutumiseen tai jopa transsiin. tilat (alfa-aallot: 7,5 – 14 Hz). Kun aivoaallot ovat alle 7 Hz, nukut vain. Binauraaliset lyönnit perustuvat ajatukseen aivojen mukana kulkeutumisesta, aivojen taipumuksesta synkronoida referenssitaajuuden kanssa. Binauraaliset ohjelmat voivat myös saada unen, ja tähän tarkoitukseen on olemassa ambient-musiikkia.

Matalalla taajuusalueella raskas musiikki voi aktivoida joillekin ihmisille pelottavia tai ahdistuneita tiloja, joten tällaisille henkilöille voi olla parasta valita meditaatioon musiikkia, joka on rikkaampaa keski- ja yläpäässä tai tasaisemmin tasapainotettua taajuusalueella. . Rauhoittavan “äänikylvyn” saamiseksi jotkut ihmiset haluavat hieman laskea bassotaajuuksia stereojärjestelmän sävynsäätimellä. Ja varmasti, jos aiot käyttää ambient-musiikkia meditaatioon, se tulee toistaa alhaisella äänenvoimakkuudella; anna sen sulautua arjen äänimaisemiin – liikenteen huminaan, satunnaiseen koiran haukkuun ja niin edelleen. Olkoon se mieluummin elementti äänimaisemassa kuin ottaa se haltuunsa. Tämä voi auttaa harjoittelemaan tarkkaavaista keskittymistä hetkeen. Muusikoille meditaatiomusiikki voi itse asiassa lisätä häiriötekijää, kun mieli kytkeytyy musiikillisiin ideoihin. Tästä syystä en henkilökohtaisesti käytä musiikkia meditaatioon. Pidän mieluummin yksinkertaisesti istumisesta suhteellisen hiljaisessa tilassa ja sallimatta esiintyä ympäristöääniä (toivottavasti) nimeämättä tai tulkitsematta niitä.

Musiikkia hierontaan ja akupunktioon

Hieronta- ja akupunktiohoitoja voidaan tehostaa ambient-musiikilla, ja tässä pätevät monet samat ohjeet. Suosittelen, että otat mukaan omaa musiikkiasi näihin istuntoihin, jos mahdollista. Harjoittajat voivat jakaa makusi tai olla jakamatta, eikä ole melkein mitään pahempaa kuin joutua kuuntelemaan kauheaa hölynpölyä, kun yrität rentoutua. Olen koonnut useita mix-CD-levyjä hierontaa varten, ja omani ovat yleensä muotoiltuja, jotka auttavat minua ensin asettumaan ja rentoutumaan jollain rauhallisella ja hajanaisella, sitten jotain rytmisempää, kun hierontaterapeutti työskentelee ongelma-alueilla, sitten lopussa erittäin tilava osa, jossa voin täysin kaavoittua ja antaa kehoni nauttia hieronnan jälkivaikutuksista. Tämä on henkilökohtainen valintani; jos haluat tehdä oman sekoituksen hierontaan, sinun tulee löytää itsellesi sopiva yhdistelmä.

Mukaansatempaava kuuntelu – kuulokkeet vai kaiuttimet?

Tästä jää yksi viimeinen kuuntelutyyppi, josta haluaisin keskustella: syvä kuuntelu, ambient-musiikin kuuntelu musiikillisena taiteena. Täällä uppoudut ääneen ja kiinnität siihen täyden huomiosi. Ensimmäinen kysymys on: kuulokkeet vai kaiuttimet? Molemmissa on hyvät ja huonot puolensa. Monet ympäristön kuuntelijat pitävät kuulokkeita useista syistä. Ensin ne eristävät musiikin ympäristön äänistä, varsinkin jos kuulokkeissa on melunvaimennusominaisuus. Toiseksi ja luultavasti tärkeämpää on, että ne korostavat stereokentän leveyttä ja mahdollistavat selvästi kuulla panorointiefektit (liikkuvat vasemmalta oikealle tai oikealta vasemmalle), jotka ovat joskus hyvin keskeisiä piirteitä ambient-musiikissa. Useimmat ambient-säveltäjät sekoittuvat todennäköisesti ensisijaisesti laadukkaiden lähikenttästudiomonitorien kanssa,

Suosituimmat kuulokkeet ovat umpikuppi, avoin kuppi ja in-ear (korvakuulokkeet). Korvatulpat ovat halpoja ja helppoja ottaa mukaan. Niitä käytetään yleisimmin iPodien tai muiden mp3-kuuntelulaitteiden kanssa. Koska ne asetetaan suoraan korvakäytävään, niitä tulee käyttää äärimmäisen varovaisesti ja vain pieninä äänenvoimakkuuksina korvien suojaamiseksi. Matalataajuusvaste on huono ja altis vääristymälle. Jotkut ihmiset – minä mukaan lukien – pitävät niitä epämukavilta eivätkä voi käyttää niitä. Matkustettaessa tai odotushuoneissa käytän mieluummin kevyitä, korvan yläpuolella olevia kuulokkeita.

Suljetut kuulokkeet vähentävät ympäristön aiheuttamaa melua – etenkin melunvaimennustoiminnolla varustetut kuulokkeet. Jos valitset melua vaimentavat kuulokkeet, varmista, että ominaisuus todella toimii. Jotkut väitteet ovat liioiteltuja. Jotkut suljetut kuulokkeet voivat olla epämiellyttäviä pidempiä kuunteluistuntoja varten, jotta voit olla varma, että kaikki ostamasi kuulokkeet sopivat sinulle hyvin, eivät ole liian painavia eivätkä anna päätäsi tuntua siltä kuin se olisi ruuvipuristimessa. Suljetun kupin haittapuoli on se, että bassotaajuusvaste voi olla rajoitettu – ilman puristusta (ääntä) pakenevaa porttia, matalataajuinen äänentuotanto ei välttämättä riitä. Kuulokkeiden luonteeseen liittyy osittain se, että matalat taajuudet eivät ole hyvin edustettuina. Tarvitaan yksinkertaisesti suurempi kartio luodakseen matalataajuisia ääniä, ja etäisyys niiden kehittymiseen (matalimmat kuultavat taajuudet ovat useita jalkoja pitkiä). Yksi vaihtoehtoinen strategia on käyttää avokuulokkeita yhdessä huoneen kaiuttimien kanssa – varsinkin jos subwoofer on saatavilla. Tällä tavalla matalat äänet poimitaan sekä kuulokkeiden avoimista porteista että rungon kautta.

Mukaansattavin kuunteluympäristö, jonka olen kokenut, oli “äänipöydällä”, jossa äänen värähtely tulee korviin ja suoraan kehon läpi pehmustettuun pintaan rakennettujen muuntimien avulla. Tämä voi olla paras tekniikka äänen parantamiseksi. Mutta useimmilla meistä (mukaan lukien minä) ei ole säännöllistä pääsyä tähän tekniikkaan.

Edullisempi vaihtoehto äänipöydälle on makaamaan mukavasti sohvalla tai tyynyillä, joissa on kirjahyllyn kokoiset kaiuttimet, jotka on sijoitettu jalka tai kaksi kummastakin korvasta; se on kuin omistaisi pari valtavat, avoimet kuppikuulokkeet! Tämän järjestelyn avulla uppoudut ääneen ilman kuulokkeiden käytön aiheuttamaa painetta päähän tai korviin, ja basso on vähemmän vaarassa. Kaiuttimien eri kokoonpanoilla kokeilemalla olen huomannut, että kaiuttimien sijoittaminen hieman pään yläpuolelle ja taakse tuottaa erityisen miellyttävän äänen.

Tallennusmuodot

Jotkut kuuntelijat saattavat suosia “surround-ääni” -järjestelmää, vaikka on vaikea löytää paljon musiikkia, joka on koodattu erityisesti tähän muotoon. Surround-ääni ei ole todellakaan ottanut kaupallista kantaa vakavaan musiikin kuunteluun. Tämä on valitettavaa, sillä todellisen 3D-äänentoiston lisäksi 24-bittinen DVD-surround-muoto tarjoaa erinomaisen selkeyden ja suuremman käytännöllisen dynaamisen alueen. Vaikka kaupalliset surround-ääniasetukset ovat suosittuja kotiviihdekeskuksissa, niitä käytetään ensisijaisesti elokuvien katseluun. Osa musiikista on koodattu erityisesti surround-järjestelmille – suurin osa siitä, elokuvamusiikkia, koska ne oli jo alun perin koodattu surround-ääntä varten.

Mutta näyttää siltä, ​​että ainakin tällä hetkellä ja lähitulevaisuudessa useimmat kuuntelijat työskentelevät 16-bittisillä stereojärjestelmillä, ja lähes kaikki nykyaikaisten ambient-säveltäjien tuotos on alustettu tätä toistoa varten. Monien ambient-tallenteiden alhainen äänenvoimakkuus tarkoittaa, että 16-bittisten tallenteiden huippubitit ovat usein käyttämättömiä – kompromissi, joka poistaa ne populaarimusiikin vastenmielisistä “äänenvoimakkuussodista”, mutta rajoittaa myös bittiresoluutiota. Pakkaaminen MP3-koodauksella pyrkii “littämään” tallennuksia ja vääristämään matalia taajuuksia. Huolellisesti kuunnellessa voi usein kuulla myös vääntymistä tai muita pakkaamisen aiheuttamia esineitä. Vaikka se on välttämätöntä suoratoistoa varten, useimmat tallenteet vaurioituvat korjaamattomasti, kun ne koodataan alle 320 bps:n bittinopeudella. (Toivon ja uskon, että lisää albumeja tulee saataville 24-bittisessä FLAC-muodossa. Vaikka tämä formaatti ei ole vielä käytännöllinen suoratoistossa, se lupaa tuottaa erinomaisen äänenlaadun, vaikkakin pidempiä latausaikoja.) Se, että rock- ja pop-kuuntelijat, jotka lataavat tallenteitaan iTunesista, ovat saattaneet luopua äänentoistosta, ei tarkoita, että meidän on ! Voidaan väittää, että erityisesti ambient-musiikki ansaitsee parhaan mahdollisen äänen.

Immersive Listening – Huomio ja prosessi

Mitä tulee siihen, mihin huomio kiinnitetään mukaansatempaavassa kuuntelussa, hyvä ambient-musiikki tarjoaa monia mahdollisia keinoja. Jos musiikki on dronepohjaista, harmonista liikettä ei todennäköisesti tapahdu paljon, joten korva on todennäköisemmin sitoutunut tekstuuriin ja tunnelmaan. Droonit, jotka koostuvat usein joko ensisijaisesta äänisävelestä tai juuresta ja kvintistä yhdistettynä, ankkuroivat kappaleen ja tarjoavat taustan muiden sävyjen jännitykselle ja vapautumiselle, kun ne vuorotellen vetäytyvät pois dronista dissonanssissa tai vetäytyvät takaisin siihen konsonanssi. Melodiset ja rytmiset komponentit ovat molemmat valinnaisia ​​elementtejä ambient-musiikissa, ja niillä on taipumus vaatia kuuloon liittyvää huomiota. Ne korostavat aikaa yli tilan, koska melodiset fraasit ovat kuin musiikillisia lauseita, joissa on alku, keskikohta ja loppu sekä rytmit jakavat ajan jaksollisiin yksiköihin. Erittäin melodinen kappale vaatii pitkäkestoisempaa huomiota, kun taas puhtaasti tunnelmallinen kappale voi antaa kuuntelijan häivyttää sisään ja ulos. Pidän molemmista ambient-musiikista, ja vaikka omat kappaleeni ovatkin melodisia, olen tehnyt myös ei-melodisia sävellyksiä.

Olen jo viitannut ambient-säveltäjien stereotilan luovaan käyttöön, ja kerran kuuntelustrategiana, josta pidän, on visualisoida korvieni ympärille ja eteeni ulottuva pallomainen alue, jossa seuraan ääniä niiden alkaessa ja haihtuessa tässä. ala. Dynaamiikan, viiveen ja kaiun sekä EQ:n taitava käyttö mahdollistaa ambient-säveltäjien luovan eloisia kolmiulotteisia illuusioita, ja kuuntelijana nautin kiinnittämisestä huomioni äänen sijoitteluun ja liikkumiseen stereokentässä sävellyksen kiinteänä osana. Äänen sivuttaissijoittelun lisäksi oikean ja vasemman kanavan välissä voidaan kuunnella äänien “korkeutta” stereokentässä, kun korva sijoittaa korkeammat taajuudet “yläpuolelle” ja matalammat “alle”. Voidaan myös huomata äänien etäisyydet, tarkkailemalla kuinka jotkut ovat läsnä ja lähellä, kun taas toiset vetäytyvät kaukaisuuteen. On myös mielenkiintoista huomata, kuinka äänet reagoivat kuvitteellisessa tilassa. Ambient-musiikki on tyypillisesti erittäin voimakasta kaikua, ja äänen säilytysastia on usein kavernoinen. Kun annat korvan seurata ääntä sen kaikuessa virtuaalitilassa ja sitten vähitellen häipyä, voidaan luoda elävä mielikuva äänikentän koosta.

Ambient-musiikki on myös täynnä ääniä, joiden sävy muuttuu ajan myötä. Se käyttää erilaisia ​​muodonmuutoksia ja suodatinohjattuja tehosteita, jotka tekevät yksittäisestä äänestä omaksi matkakseen. Äänen vaihtuvien harmonisten, erityisesti äänen sointia määrittävien yläosien, kuunteleminen on palkitsevaa äänentietoisuuden harjoittelua, joka paljastaa teoksen mielenkiintoisia yksityiskohtia.

Ambient-säveltäjät voivat herättää teoksissaan minkä tahansa tyyppisiä harmonisia paletteja. Jotkut hienot teokset ovat puhtaasti tonaalisia tai triadisia, jopa täysin diatonisia (käytetään vain seitsemää skaalasävyä), kun taas teoksissa voidaan käyttää laajennettuja harmonioita, mukaan lukien eksoottiset skaalat, bitonaalisuus (harmonioiden samanaikainen soiminen eri sävelsävyillä), kvartaaliharmonia (perustuu kvartoihin). tertin sijasta) ja jopa täydellistä atonaalisuutta (ei “kotinäppäintä”, mutta kaikkien 12 sävelen tasa-arvoinen osallistuminen. Olen kuullut erittäin hienoa musiikkia, jossa on käytetty vaihtoehtoisia virityksiä ja temperamentteja. Tämä on usein tribaali- tai maailmanmusiikkivaikutteisen ambientin ominaisuus. . Viritys, joka vie kuulijat pois tutuista länsimaisista tasa-arvoisista asteikoista, voi avata upeita äänimaisemia. Harmonista “maustetta” kuunnellen on loistava tapa tehdä ambient-teos, johon voi sisältyä luovaa sävyjen ja virityksen käyttöä. Ei ole välttämätöntä “identifioida” tarkalleen, mitä nämä elementit ovat musiikkilogisesti. Liiallinen älykkyys voi jopa estää ambient-sävellyksen täydellisen arvostamisen. Mutta näiden mahdollisuuksien tiedostaminen ja niiden kuunteleminen voi avata korvan ja lisätä henkilökohtaista yhteyttä musiikkikappaleeseen.

Monella ambient-musiikilla on vahva visuaalinen komponentti, ainakin minulle. Ei ole yllättävää, että niin monet ambient-säveltäjät ovat myös kuvataiteilijoita tai ainakin harrastavat kuvataiteen muotoja – kuten minäkin. Vaikka harvat säveltäjät tai kuuntelijat voivat kokea todellista synestesiaa (musiikin näkeminen värinä tai muotona tai värinä musiikin sävyinä), visualisoinnin harjoittaminen kuuntelukokemuksen aikana avaa monia yhteyksiä aistien välille ja voi rikastaa kokemusta. Joillakin teoksilla on vahva “tarinan” tunne, ja ambient-musiikin kuuntelukokemuksesta nousevan tarinan kirjoittaminen tai kertominen voi olla loistava tapa viestiä näkemys teoksesta muille. On myös mielenkiintoista kokeilla kuuntelua silmät auki ja kiinni. Minulle nämä ovat hyvin erilaisia ​​kokemuksia. Huomaan, että rajoittamalla visuaalista aistinvaraista syöttöä, kuuloni tulee terävämmäksi ja pystyn havaitsemaan paljon enemmän, mitä voin silmäni auki. Toisaalta ambient-musiikin rinnalle on tehty upeita videoita, joihin kannattaa tutustua. Multimediaesitys voi myös olla yksi kannattavimmista ambient-musiikin paikoista konserttisalissa. Yleisö ei välttämättä hyväksy puhtaasti tallennettua musiikkia “esityksenä”, mutta visuaalisen sisällön lisääminen luo täydellisemmän “elävän” kokemuksen.

Ambient-musiikin genren sisällä on valtava valikoima tyylilajeja New Age -avaruusmusiikista erittäin tummaan, teolliseen noise-suuntautuneeseen musiikkiin. Yritän maistella niin paljon kuin mahdollista, oppien ja arvostaen tämän kasvavan genren monimuotoisuutta. On jännittävää olla osa tätä vielä esiin nousevaa formaattia sekä säveltäjänä että kuuntelijana.

Meillä kaikilla on suosikkimusiikkikappale, joka vie meidät erityiseen paikkaan sydämissämme. Käännös musiikista, jota rakastamme ja kuinka se värittää elämäämme.

JUSTIN:

Lempimusiikkini, riippuu mielialasta, jazz on musiikkia kaikille tunnelmille. Suosikki jazzteokseni olisi – saksofonina – Coltranen My Favourite Things tai mikä tahansa Thelonios Monkin. Pehmeä valaistus, Kalhua ja maito ja seura sopii aina Monkille tai päinvastoin.

Ajaminen on tehty musiikin takia, joten mikä tahansa talo, jossa on tungosta, tekee matkasta minne tahansa (jopa töihin) sen arvoista. Miten kappale voi kuulostaa niin yksinkertaiselta, mutta silti vaikealta soittaa. mitä Neil tekee?

mutta suosikkikappaleeni olisi shine soundtrackista, Vivaldin kappale nimeltä “Nulla in mundo pax”, jota kuuntelen nyt.

IMELDA:

Jokainen musiikkikappale edustaa kyseisen musiikin säveltäjän ilmaisua. Musiikkiteos, josta pidän eniten, on piano-instrumentaalimusiikki, koska se ei kerro sanoin niin kuin muu musiikki. Instrumentaalimusiikkia kuuntelevan on yritettävä ymmärtää, mitä viestejä säveltäjä yrittää kertoa kappaleella. Sen merkityksen löytäminen on haastavaa. Lisäksi kun kuuntelen instrumentaalimusiikkia, kuten T. Badarzewskan “Neitorukousta”, uskon tämän kappaleen viestivän meille antautumisesta Jumalalle. Jos saisin mahdollisuuden, soittaisin mielelläni suosikkikappaleitani.

KEN:
Tämä on vanha juttu niille, jotka tuntevat minut, mutta olen valtava James Taylor Nut. Ja suosikkikappaleeni on “The Water is Wide”. Jos MP3-tiedostot ovat laillisia, laitan sen tälle sivustolle. Mutta minun on ensin tarkistettava.

Joka kerta kun kuulen sen, tunnen muuttuneeni eri paikkaan, jossa kaikki on mietteliäistä ja ihmiset kävelevät kaduilla sydänsuruisina, mutta toivoen, että elämä on heille jälleen armollinen. Siitä jää pala kurkkuuni joka kerta. Kappaleessa on jotain lohdullista, mikä saa minut rauhoittumaan ja vakuuttumaan siitä, että mikä tahansa koettelemus kohtaankin, joku on kohdannut sen ennen ja joku on voittanut sen ennen.

Sitä musiikin pitää tehdä. Sekä kappale että artisti inspiroivat minua loputtomasti. Se inspiroi minua tavalla, jonka toivon voivani innostaa ihmisiä.

Kuuntele, jos löydät sen — Ken

JENNY:

Monta kertaa, kun vain suljen silmäni ja kuuntelen musiikkia, pakenen tälle toiselle tasolle. Se rauhoittaa minua, kuten sanoit, ruokkii sieluani. Arvostan suuresti musiikkia, joka on minulle yhtä paljon taidetta kuin sen luominen. Musiikki on osa jokaisen elämää, ja jokainen liittyy siihen jollain tavalla. Minulle se pitää minut liikkeellä, kun olen masentunut, tai vain tekee minut onnelliseksi, kun olen onnellinen. Minulla on musiikkia kaikkiin tilanteisiin. Kaiken kaikkiaan olisin erittäin onneton tyttö, jos musiikki ottaisi yhtäkkiä pois.

JILLIAN:

Kiireisen päivän päätteeksi..
Rakastan musiikin kuuntelua. Kävin lapsena tanssi- ja laulutunteja, mutta en koskaan oppinut soittamaan soitinta. Tänä vuonna 40-vuotiaana päätin opetella lukemaan musiikkia ja soittamaan koskettimia. Se kaikki on osa tasapainoista elämää, tavoitteiden asettamista ja aikaa, jotta voin tehdä asioita, joista nautin.

Yhdeksänvuotiaan poikani ja minulla on nyt oppitunteja kotona joka viikko
ja kannustamme toisiamme harjoittelemaan ja nauttimaan musiikistamme. Se on jotain, jota teemme yhdessä, ja toivon, että poikani
nauttii edelleen musiikista ja jatkaa soittamista kasvaessaan.
Rakastan musiikin kuuntelua ja nyt soittamista, jotta voin “sammuttaa” ja rentoutua kiireisen päivän päätteeksi. Minulla on ollut vain muutama oppitunti toistaiseksi ja pelaan huonosti, mutta nautin siitä ja paranen viikoittain. Poikani tekee samoin, ja me perheenä nautimme musiikin soittamisesta, kuuntelemisesta ja laulamisesta yksinkertaisten kappaleidemme kanssa. Pidän näppäimistöä “vuoden 2000 parhaana ostokseni” tähän mennessä!

ED:

jumaluus..

Musiikki ilmentää elämää. Musiikki on jumaluuden fyysinen ja emotionaalinen ilmentymä, ja se on olennainen osa rakastavaa sidettä, joka on täyttänyt meidät ja vahvistanut meitä sekä tuonut harmoniaa yksilöille, yhteiskunnille ja kansoille ympäri maailmaa kautta aikojen.

LINDA:

Ilman sanoja..

Musiikki on ilmaus siitä, mitä ihmisen mielessä/sydämessä tapahtuu. Sinun ei tarvitse keskittyä tajutaksesi sen voiman. Minusta liikuttavinta musiikkia on musiikkia, jonka esittää intohimoisesti soittava taiteilija, joka tuntee tarkasti tai syvästi empatiaa kappaleen välittyneen merkityksen ja tunteiden kanssa.

Soitan pianoa korvasta. Eli voin kuunnella musiikkia ja kun musiikki on tehnyt minuun vaikutuksen, voin useammin toistaa kuulemani. Olen aina soittanut pianoa tällä tavalla (4-vuotiaasta asti) enkä haluaisi sitä muuten, koska se teki minut herkäksi musiikille – melodialle, tahdille, kappaleiden äänenvoimakkuudelle ja tahdille.

Upein asia, jonka uskon musiikin voivan tuoda ihmiseen, on se, kun ihminen voi istua alas instrumenttinsa kanssa ja soittaa (ja/tai laulaa) mitä tahansa tunteita, joita hän muuten säilyttäisi sisällään – sellaisia ​​tunteita, joita et vain tekisi. pystyä kertomaan toiselle ihmiselle, sellaisia ​​tunteita, joihin vain musiikki voi todella lohduttaa.

Monta kertaa, kun vain suljen silmäni ja kuuntelen musiikkia, pakenen tälle toiselle tasolle. Se rauhoittaa minua, kuten sanoit, ruokkii sieluani. Arvostan suuresti musiikkia, joka on minulle yhtä paljon taidetta kuin sen luominen. Musiikki on osa jokaisen elämää, ja jokainen liittyy siihen jollain tavalla. Minulle se pitää minut liikkeellä, kun olen masentunut, tai vain tekee minut onnelliseksi, kun olen onnellinen. Minulla on musiikkia kaikkiin tilanteisiin. Kaiken kaikkiaan olisin erittäin onneton tyttö, jos musiikki ottaisi yhtäkkiä pois.

Jenny ja minä:

Okei. Jos en soita kitaraani, Jenny, vähintään kerran päivässä, saan vetäytymisen. Olen täällä tappavan tosissani. Ihan kuin olisit unohtanut jotain ja jättänyt osan sinusta jonnekin… minne?? missä?? missä.. Melkein kuin avaimien katoaminen. Musiikki on ollut osa elämääni 5-vuotiaasta lähtien, jolloin jouduin opettelemaan pianonsoittoa. Onneksi rakastin sitä. Musiikki on kuin vanhempi.
Musiikkini on se asia, joka saa minut tekemään musiikkia. Kuten entiteetti “musiikki” itse tai itsensä. En todellakaan kirjoita. Sen “se”, joka puhuu minun kauttani. Ihmiset käsittelevät kipua ja loukkaantuvat eri tavoin. Kun olen lopettanut itseni syyttämisen =)

Puhun Jennyn kanssa ja hän näyttää saavan kaiken näyttämään hyvin triviaalilta. ja minä sanon kiitos jenny.. Joskus hän on mielisairas. Ihmiset katsovat minuun outoja, kun sanon hänen puhuvan minulle. Mutta uskon, että instrumentit saavat sielun, kun niitä luodaan. Henget asuvat heissä ja luovat karmaa.
Musiikki ruokkii sieluani tavoilla, joita en voi edes alkaa selittää. Jos tiedät mitä tarkoitan, olet myös todella siunattu.

Linda:

Tärkeimmät asiat..

Musiikki pitää minut kosketuksissa elämään, oikeaan elämään. Se muistuttaa minua perusasiat ja tärkeimmät asiat. Kun me kaikki kiirehdimme päivästä toiseen, on liian helppoa kääriytyä “kaiken tekemiseen” ja unohdamme ottaa yhteyttä itseemme ja toisiimme riittävän usein. Musiikki vie meidät pois ja tarjoaa sielulle äärimmäisen pakopaikan – uudistumisen ja sen ilmaisen ottamiseksi. Meidän kaikkien on hyödynnettävä sen tarjoamia ominaisuuksia päivittäin pysyäksemme yhteydessä “elämään”.
Hyvää päivää – ja vietä aikaa tänään musiikin syleilyyn!!

Elaine:

Kuinka musiikki liikuttaa minua

(Lukuun ottamatta ilmeistä tahtoa nousta ylös ja tanssia ympäriinsä!)
Musiikki liikuttaa minua monella tapaa, mutta mieleenpainuvin kokemus, jonka olen saanut, oli (silmät kiinni, nojatuolissa istuminen) tietyn Mahlerin kappaleen kuunteleminen. Jossain vaiheessa jousiosuus kohoaa korkeaan sävelen, joka on niin upeasti kummitteleva ja surullinen, että kyyneleet valuivat pitkin kasvojani. En ole varma, tiesinkö silloin, mutta nyt tiedän, että hän kirjoitti tämän musiikin lapsensa kuolemasta, ja minusta on hämmästyttävää, että tämä tunne voitiin välittää niin selkeästi.

Suurimman osan ajasta musiikki saa minut iloiseksi, että olen elossa, mutta luulen, että tämä kokemus oli mieleenpainuvampi, koska tunne oli niin voimakas.

Elektronisen musiikin historia on vuosikymmeniä ennen rock and roll -aikaa. Useimmat meistä eivät olleet edes tällä planeetalla, kun se aloitti usein hämärän, aliarvostetun ja väärinymmärretyn kehityksensä. Nykyään tämä “toinen maallinen” äänikokonaisuus, joka sai alkunsa lähes sata vuotta sitten, ei ehkä enää näytä oudolta ja ainutlaatuiselta, koska uudet sukupolvet ovat hyväksyneet suuren osan siitä valtavirtaan, mutta sen tie on ollut kuoppainen, ja yleisön hyväksynnän löytämisessä hidas sellainen.

Monet muusikot – nykyaikaiset elektronisen musiikin kannattajat – loivat intohimoa analogisiin syntetisaattoreihin 1970-luvun lopulla ja 1980-luvun alussa tunnuskappaleilla, kuten Gary Numanin läpimurto “Are Friends Electric?”. Juuri tänä aikana näistä laitteista tuli pienempiä, helpommin saavutettavia, käyttäjäystävällisempiä ja edullisempia monille meistä. Tässä artikkelissa yritän jäljittää tätä historiaa helposti sulavissa luvuissa ja tarjota esimerkkejä nykypäivän parhaista nykyajan kannattajista.

Minusta tämä oli uuden aikakauden alku. Elektronisen musiikin luomiseen ei enää tarvinnut päästä käsiksi tilaa teknologiaan studiossa tai livenä. Tähän asti tämä oli vain Kraftwerkin kaltaisten taiteilijoiden alaa, jonka elektronisten instrumenttien ja räätälöityjen laitteiden arsenaalista me muut olisimme voineet vain haaveilla, vaikka ymmärtäisimme niiden toiminnan logistiikan. Tämän sanottuani, kun vartuin 60- ja 70-luvuilla, minulla ei kuitenkaan ollut juurikaan tietoa siitä työn monimutkaisuudesta, joka oli asettanut standardin aikaisempina vuosikymmeninä päästäkseni tähän pisteeseen.

Elektronisen musiikin historia on paljon velkaa Karlheinz Stockhausenille (1928-2007). Stockhausen oli saksalainen Avante Garde -säveltäjä ja elektronisen musiikin edelläkävijä 1950-luvulta lähtien. Hän vaikutti liikkeeseen, jolla oli lopulta voimakas vaikutus sellaisiin nimiin kuin Kraftwerk, Tangerine Dream, Brain Eno, Cabaret Voltaire, Depeche Mode, puhumattakaan. Beatlesin ja muiden kokeellinen työ 1960-luvulla. Hänen kasvonsa näkyvät “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Bandin”, Beatlesin vuoden 1967 mestari Opuksen kannessa. Aloitetaan kuitenkin matkustamalla ajassa hieman pidemmälle.

1900-luvun vaihteessa

Aika pysähtyi tälle tähtikatselijalle, kun huomasin alun perin, että ensimmäiset dokumentoidut, yksinomaan elektroniset konsertit eivät olleet 1970- tai 1980-luvuilla vaan 1920-luvulla!

Ensimmäisen puhtaasti elektronisen instrumentin, Thereminin, jota soitetaan ilman kosketusta, keksi venäläinen tiedemies ja sellisti Lev Termen (1896-1993) noin vuonna 1919.

Vuonna 1924 Theremin teki konserttidebyyttinsä Leningradin filharmonikkojen kanssa. Thereminin herättämä kiinnostus houkutteli yleisöä konsertteihin, joita järjestettiin eri puolilla Eurooppaa ja Iso-Britanniaa. Vuonna 1930 New Yorkin arvostetussa Carnegie Hallissa esitettiin klassista musiikkia, jossa käytettiin vain kymmenen Thereminin sarjaa. Monien taitavien muusikoiden katseleminen tätä aavemaisen kuuloista instrumenttia heiluttelemassa käsiään sen antennien ympärillä on täytynyt olla niin innostavaa, surrealistista ja vierasta tekniikan tason aiemmalle yleisölle!

Kiinnostuneet voivat katsoa Theremin-virtuoosi Clara Rockmoren (1911-1998) äänitteet. Liettualaissyntyinen Rockmore (Reisenberg) työskenteli keksijänsä kanssa New Yorkissa kehittääkseen instrumenttia sen alkuvuosina ja hänestä tuli sen arvostetuin, loistavin ja tunnustetuin esiintyjä ja edustaja koko elämänsä.

Jälkeenpäin katsottuna Clara oli ensimmäinen aidon elektronisen musiikin ylistetty “tähti”. Thereministä tuskin löydät aavemaisempia, mutta kauniita klassisen musiikin esityksiä. Hän on ehdottomasti suosikkini!

Elektronista musiikkia sci-fissä, elokuvissa ja televisiossa

Valitettavasti ja pääasiassa taitojen hallitsemisen vaikeudesta johtuen Thereminin tulevaisuus soittimena oli lyhytikäinen. Lopulta se löysi markkinaraon 1950-luvun scifi-elokuvissa. Vuoden 1951 elokuvaklassikko “The Day the Earth Stood Still”, johon kuuluu vaikutusvaltaisen amerikkalaisen elokuvamusiikin säveltäjän Bernard Hermannin (tunnettu Alfred Hitchcockin “Psycho” jne.) soundtrack, sisältää runsaasti “maanulkopuolista” partituuria, jossa käytetään kahta Thereminiä ja muita elektroniset laitteet yhdistettynä akustisiin instrumentteihin.

Käyttämällä Thereminin tyhjiöputkioskillaattoritekniikkaa ranskalainen sellisti ja radiolennättäjä Maurice Martenot (1898-1980) aloitti Ondes Martenotin (ranskaksi Martenot-aallon) kehittämisen vuonna 1928.

Käyttämällä tavallista ja tuttua koskettimistoa, jonka muusikko olisi helpompi hallita, Martenotin soitin menestyi siellä, missä Theremin epäonnistui olemaan käyttäjäystävällinen. Itse asiassa siitä tuli ensimmäinen menestyksekäs elektroninen instrumentti, jota säveltäjät ja orkesterit käyttivät aikansa nykypäivään asti.

Se on esillä alkuperäisen 1960-luvun TV-sarjan “Star Trek” teemana, ja se voidaan kuulla radioheadin ja Brian Ferryn kaltaisilla nykytallennuksilla.

Ilmeinen moniääninen Ondes Martenot, vaikkakin monofoninen, on sukupolvensa lähin kuulemani soitin, joka lähestyy modernin synteesin soundia.

Vuonna 1956 julkaistu “Forbidden Planet” oli ensimmäinen suuri kaupallinen studioelokuva, jossa oli yksinomaan elektroninen ääniraita… paitsi Robbie the Robot ja upea Anne Francis! Uraauurtavan partituurin tuotti aviomies- ja vaimotiimi Louis ja Bebe Barron, joka perusti 1940-luvun lopulla Yhdysvaltoihin ensimmäisen yksityisessä omistuksessa olevan äänitysstudion, joka äänitti elektronisia kokeellisia artisteja, kuten ikonisen John Cagen (jonka oma Avante Garde -työ haastoi itse musiikin määritelmä!).

Barroneja tunnustetaan yleisesti elektronisen musiikin soveltamisen laajentamisesta elokuvissa. Louis rakensi juotosraudan toisessa kädessä piirit, joita hän manipuloi luodakseen joukon outoja, “epämaisia” tehosteita ja motiiveja elokuvaan. Kerran suoritettuaan näitä ääniä ei voitu toistaa, koska piiri tahallaan ylikuormittui, savuisi ja palaisi tuottamaan halutun äänituloksen.

Tämän seurauksena ne kaikki nauhoitettiin nauhalle, ja Bebe seuloi tuntikausia keloja editoimalla käyttökelpoiseksi katsottuja asioita, sitten manipuloi niitä uudelleen viiveellä ja kaiuntalla ja nimitti lopputuotteen luovasti käyttämällä useita nauhadekkejä.

Tämän työläs työmenetelmän lisäksi tunnen pakkoa sisällyttää mukaan se, joka on kiistatta kestävin ja vaikutusvaltaisin elektroninen television allekirjoitus koskaan: teema vuoden 1963 brittiläiseen pitkäkestoiseen sci-fi-seikkailusarjaan “Dr. Who”. Se oli ensimmäinen kerta, kun televisiosarjassa oli yksinomaan elektroninen teema. “Dr. Who” -teema luotiin legendaarisessa BBC Radiophonic Workshopissa käyttämällä nauhasilmukoita ja testioskillaattoria tehosteiden läpi kulkemiseen, näiden nauhoittamiseen nauhalle, minkä jälkeen toinen Electron pioneeri, Delia Derbyshire, käsitteli ja editoi sävellystä. Ron Grainerin.

Kuten näette, elektronisen musiikin yleinen käyttö vintage-sci-fissä oli pääasiallinen lähde suuren yleisön käsitykselle tästä musiikista “toisena maallisena” ja “vieraan-outokuuloisena”. Tämä jatkui ainakin vuoteen 1968 asti, kun hittialbumi “Switched-On Bach” julkaistiin kokonaan Moog-modulaarisella syntetisaattorilla Walter Carlosin toimesta (josta muutamalla kirurgisella näppäimellä tuli myöhemmin Wendy Carlos).

1970-luvulla elektronisen musiikin profiili laajeni Kraftwerkin ja Tangerine Dreamin kaltaisten bändien läpimurron myötä, ja erityisesti 1980-luvulla, jolloin se sai enemmän valtavirran hyväksyntää.

1900-luvun puoliväli: Musique Concrete

1900-luvun kehityksessä elektroninen musiikki ei rajoittunut pelkästään elektronisten piirien käsittelyyn äänen tuottamiseksi. Jo 1940-luvulla suhteellisen uudesta saksalaisesta keksinnöstä – 1930-luvulla kehitetystä kelasta kelaan -nauhurista kiinnostuivat monet Avante Garde -eurooppalaiset säveltäjät, erityisesti ranskalainen radiolähetystoiminnan harjoittaja ja säveltäjä Pierre Schaeffer (1910). -1995), joka kehitti montaasitekniikan, jonka hän kutsui nimellä Musique Concrete.

Musique Concrete (tarkoittaa “todellisen maailman” olemassa olevia ääniä soittimien tuottamien keinotekoisten tai akustisten äänien vastakohtana) sisälsi laajalti “löydettyjä” ääniä – luonnollisia, ympäristöllisiä, teollisia ja ihmisen – sisältävien nauhoitettujen osien liittämisen yhteen ja näiden manipulointia vaikutukset, kuten viive, kaiku, särö, nauhan nopeuden nopeuttaminen tai hidastaminen (varispeed), peruutus jne.

Stockhausen itse asiassa piti konsertteja hyödyntäen taustanauhoina hänen Musique Concrete -teoksiaan (tässä vaiheessa äänityksissä käytettiin sekä elektronisia että “todellisen maailman” ääniä), joiden lisäksi klassiset soittajat esittivät live-instrumentteja heidän tunnelmaan ja motiiveihinsa mukaan. kuulivat!

Musique Concrete vaikutti laajasti Avante Garde- ja efektikirjastojen lisäksi myös 1960- ja 1970-luvun nykymusiikkiin. Tärkeitä tarkistettavia teoksia ovat Beatlesin tämän menetelmän käyttö uraauurtavissa kappaleissa, kuten “Tomorrow Never Knows”, “Revolution No. 9” ja “Being for the Benefit of Mr. Kite”, sekä Pink Floydin “Umma” -albumeissa. Gumma, “Dark Side of the Moon” ja Frank Zappan “Lumpy Gravy”. Kaikki käytetyt nauhaleikkaukset ja kotitekoiset nauhasilmukat syötetään usein livenä pääsekoitukseen.

Nykyään tämä voidaan tehdä yksinkertaisella digitaalisella näytteistyksellä, mutta eilisen sankarit työskentelivät tunteja, päiviä ja jopa viikkoja saattaakseen valmiiksi ehkä neljän minuutin kappaleen! Meille, jotka olemme nykymuusikoita, elektronisen musiikin historian ymmärtäminen auttaa ymmärtämään kvanttihyppyteknologian viime aikoina. Mutta nämä varhaiset innovaattorit, nämä pioneerit – joita on monia muitakin – ja tärkeät hahmot, joihin he vaikuttivat ja jotka tulivat ennen meitä, loivat vallankumouksellisen pohjatyön, josta on tullut elektronisen musiikin perintömme tänään, ja tästä kunnioitan heitä!

1950-luku: Ensimmäinen tietokone ja syntikkamusiikki

Muutama vuosi eteenpäin vuoteen 1957 ja ensimmäinen tietokone sähköiseen yhdistelmään. Kuten voitte kuvitella, se ei ollut aivan kannettava kannettava tietokone, vaan se vei koko huoneen, eikä käyttäjäystävällinen ollut edes käsite. Siitä huolimatta luovat ihmiset veivät jatkuvasti rajoja. Yksi heistä oli Max Mathews (1926 -) Bell Telephone Laboratoriesista, New Jerseystä, joka kehitti Music 1:n, alkuperäisen musiikkiohjelman tietokoneille, johon kaikki myöhemmät digitaaliset synteesit perustuvat. Mathews, jota kutsuttiin “tietokonemusiikin isäksi”, käytti digitaalista IBM Mainframea, oli ensimmäinen, joka syntetisoi musiikkia tietokoneella.

Stanley Kubrikin vuoden 1968 elokuvan ‘2001: A Space Odyssey’ huipentumakohdassa käytetään 1961 Mathewsin sähköistä versiota 1800-luvun lopun kappaleesta Daisy Bell. Täällä musiikillinen säestys esitetään hänen ohjelmoidulla keskuskoneella yhdessä tietokonesyntetisoidun ihmisen “laulu”äänitekniikan kanssa, joka on uranuurtanut 60-luvun alussa. Elokuvassa, kun HAL:n tietokone taantuu, “hän” palaa tähän lauluun, kunnioituksena “omalle” alkuperälleen.

Vuonna 1957 esiteltiin myös ensimmäinen kehittynyt syntetisaattori, RCA Mk II Sound Synthesizer (parannus vuoden 1955 alkuperäiseen). Siinä oli myös elektroninen sekvensseri musiikin toiston ohjelmoimiseksi. Tämä massiivinen RCA Synth asennettiin ja pysyy edelleen Columbia-Princeton Electronic Music Centerissä New Yorkissa, jossa legendaarinen Robert Moog työskenteli jonkin aikaa. Yliopistot ja tekniset laboratoriot olivat syntikka- ja tietokonemusiikkikokeilujen pääkoti tuona aikakautena.

1960-luku: Moogin aikakauden sato

Säveltämisen logistiikka ja monimutkaisuus ja jopa siihen asti muusikoille epäystävällisten syntetisaattorien käyttö johtivat kannettavien soittimien kysyntään. Yksi ensimmäisistä vastanneista ja ehdottomasti menestynein oli Robert Moog (1934-2005). Hänen pelattava syntetisaattori käytti tuttua pianotyylistä koskettimistoa.

Moogin tilaa vievää puhelinoperaattoreiden kaapeliliitintyyppistä modulaarista syntetisaattoria ei ollut mahdollista kuljettaa ja asentaa mitenkään helposti tai nopeasti! Mutta sen suosio kasvatti valtavasti Walter Carlosin menestyksen myötä, kuten aiemmin mainittiin, vuonna 1968. Hänen LP-levynsä (Long Player) myydyin levy “Switched-On Bach” oli ennennäkemätön, koska se oli ensimmäinen kerta, kun albumi ilmestyi kokonaan syntetisoitua musiikkia, toisin kuin kokeellisia äänikappaleita.

Albumi oli monimutkainen klassisen musiikin esitys, jossa tarvittiin erilaisia ​​moniraitaisia ​​ja overdubittejä, koska syntetisaattori oli vain monofoninen! Carlos loi myös elektronisen partituurin “A Clockwork Orange”, Stanley Kubrikin huolestuttavaan vuoden 1972 futuristiseen elokuvaan.

Tästä lähtien Moog-syntikka on yleistä useilla 1960-luvun lopun nykyalbumilla. Vuonna 1967 Monkeesin “Pisces, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd”:stä tuli ensimmäinen kaupallinen pop-albumi, joka sisälsi modulaarisen Moogin. Itse asiassa laulaja/rumpali Mickey Dolenz osti yhden ensimmäisistä myydyistä kappaleista.

Kuitenkin vasta 1970-luvun alussa, kun ensimmäinen Minimoog ilmestyi, kiinnostus muusikoiden keskuudessa kasvoi vakavasti. Tällä kannettavalla pienellä, paksulla äänellä varustetulla yksiköllä oli merkittävä vaikutus siitä, että siitä tuli osa monien kiertueella olevien muusikoiden elävää musiikkipakettia tuleviksi vuosiksi. Muut yritykset, kuten Sequential Circuits, Roland ja Korg, alkoivat tuottaa omia syntetisaattoreitaan, mikä synnytti musiikin alakulttuurin.

En voi kuitenkaan sulkea lukua 1960-luvulta ilman Mellotronia. Tätä elektronis-mekaanista instrumenttia pidetään usein nykyaikaisen digitaalisen näytteenottimen primitiivisenä edeltäjänä.

1960-luvun alussa Isossa-Britanniassa kehitetty ja Chamberliniin (komea USA:n suunnittelema instrumentti edelliseltä vuosikymmeneltä) perustuva Mellotron-koskettimisto laukaisi valmiiksi nauhoitettuja nauhoja, ja jokainen näppäin vastasi esiladatun akustisen instrumentin vastaavaa nuottia ja sävelkorkeutta.

Mellotron on legendaarinen sen käytöstä Beatlesin vuoden 1966 kappaleessa Strawberry Fields Forever. Huilunauhapankkia käytetään Paul McCartneyn kummittelevassa johdannossa.

Soittimen suosio kasvoi ja sitä käytettiin monilla aikakauden äänitteillä, kuten erittäin menestyneessä Moody Blues -eeppisessä Nights in White Satinissa. 1970-luvulla progressiiviset rock-yhtyeet ottivat sen käyttöön yhä enemmän. Elektroniikan pioneerit Tangerine Dream esitteli sen varhaisilla albumillaan.

Ajan myötä ja mikrosiruteknologian kehittyessä tästä hurmaavasta instrumentista tuli kuitenkin aikansa jäänne.

1970-luku: Vanhojen elektronisten bändien synty

Tangerine Dreamin varhaiset nestemäiset albumit, kuten “Phaedra” vuodelta 1974 ja Brian Enon työ hänen omalla “ambient-musiikkillaan” ja David Bowien “Heroes” -albumilla, herättivät edelleen kiinnostusta syntetisaattoria kohtaan sekä muusikoissa että yleisössä.

Kraftwerk, jonka vuoden 1974 uraauurtava albumi “Autobahn” saavutti kansainvälistä kaupallista menestystä, vei mediaa entisestään lisäten tarkkuutta, sykkiviä elektronisia biittejä ja rytmejä sekä yleviä syntikkamelodioita. Heidän minimalisminsa ehdotti kylmää, teollista ja tietokoneistettua kaupunkimaailmaa. He käyttivät usein vokoodereita ja puhesynteesilaitteita, kuten upean robotin “Speak and Spell” -ääniemulaattoria, jälkimmäinen oli lasten oppimisen apuväline!

Stockhausenin kokeellisista elektronisista teoksista inspiroituneena Kraftwerk oli taiteilijoina ensimmäinen, joka onnistui yhdistämään kaikki elektronisesti luodun musiikin ja melun elementit ja tuottamaan helposti tunnistettavan kappalemuodon. Laulujen lisääminen moniin heidän kappaleisiinsa, sekä heidän äidinkielellään saksaksi että englanniksi, auttoi heitä saavuttamaan yleisen suosion, ja heistä tuli yksi vaikutusvaltaisimmista nykymusiikin pioneereista ja esiintyjistä kuluneen puolen vuosisadan aikana.

Kraftwerkin vuoden 1978 helmi Das Modell nousi Ison-Britannian ykkössijalle helmikuussa 1982 julkaistulla uudelleen englanninkielisellä versiolla The Model, mikä teki siitä yhden varhaisimmista Electro-listan kärkisijoituksista!

Ironista kyllä, tarvittiin liike, jolla ei ollut mitään yhteyttä EM:n (Electronic Music) kanssa helpottaakseen sen laajempaa valtavirran hyväksyntää. 1970-luvun puolivälin punk-liike, pääasiassa Isossa-Britanniassa, toi mukanaan ainutlaatuisen uuden asenteen: sellaisen, joka asetti etusijalle itseilmaisun eikä esiintymisnäppäryyden ja muodollisen harjoittelun, kuten nykyaikaiset progressiiviset rock-muusikot ilmentävät. Metallisen punkin alkuperäinen aggressio muuttui vähemmän hankaavaksi muodoksi 1970-luvun lopulla: New Wave. Tämä yhdistettynä monien pienten, helppokäyttöisten syntetisaattoreiden kohtuuhintaan johti kaupalliseen syntetisaattoriräjähdykseen 1980-luvun alussa.

Uusi nuorten sukupolvi alkoi tutkia näiden soittimien potentiaalia ja alkoi luoda äänimaisemia, jotka haastavat nykymusiikin vallitsevan näkökulman. Tämä ei kuitenkaan tullut ilman taisteluarpia. Musiikkiteollisuus, varsinkin tiedotusvälineissään, pilkkasi usein tätä uutta ilmaisu- ja esitysmuotoa ja halusi viedä sen historian roskakoriin.

1980-luku: massojen elektronisen musiikin ensimmäinen kultakausi

Gary Numanista tuli kiistatta ensimmäinen kaupallinen syntikka-megastahti vuoden 1979 “Tubeway Army” -hitillä “Are Friends Electric?”. Sci-Fi-elementti ei ole taaskaan liian kaukana. Osa kuvista on peräisin scifi-klassikosta “Do Androids Dream of Electric Sheep?”. Myös vuoden 1982 hittielokuva “Blade Runner” perustui samaan kirjaan.

Vaikka “Ovatko ystävät sähköisiä?” perinteisellä rumpu- ja bassotaustalla, sen hallitseva Polymoogs-käyttö antaa kappaleelle sen hyvin erottuvan soundin. Levy oli ensimmäinen syntetisaattoripohjainen julkaisu, joka saavutti listaykkösen Isossa-Britanniassa post-punk-vuosina ja auttoi avaamaan uuden genren. Elektronista ja/tai syntetisaattorimusiikkia ei enää lähetetty valtavirran sivuun. Jännittävä!

Edullisen elektroniikkatekniikan jatkokehitys asetti elektroniikan suoraan nuorten tekijöiden käsiin ja alkoi muuttaa ammattistudioita.

Australiassa vuonna 1978 suunnitellusta Fairlight Sampler CMI:stä tuli ensimmäinen kaupallisesti saatavilla oleva polyfoninen digitaalinen näytteenottolaite, mutta sen kohtuuttomien kustannusten vuoksi sitä käyttivät vain Trevor Horn, Stevie Wonder ja Peter Gabriel. Vuosikymmenen puoliväliin mennessä markkinoille tuli kuitenkin pienempiä, halvempia soittimia, kuten kaikkialla esiintyvät Akai- ja Emulator-samplerit, joita muusikot usein käyttävät livenä kopioidakseen studiossa äänitettyjä ääniään. Sampleri mullisti musiikin tuotannon tästä lähtien.

Useimmilla suurilla markkinoilla, lukuun ottamatta Yhdysvaltoja, 1980-luvun alku veti kaupallisesti sähkövaikutteisia artisteja. Tämä oli jännittävä aika monille meistä, myös minulle. Tiedän, etten ollut yksin sulkemassa vääristynyttä kitaraa ja vahvistimia ja upottamassa itseni uuteen musiikillisen ilmaisun universumiin – abstraktin ja epäperinteisen äänimaailmaan.

Kotona australialaiset syntetisaattoribändit Real Life (“Send Me An Angel”, “Heartland”-albumi), Icehouse (“Hey Little Girl”) ja Pseudo Echo (“Funky Town”) alkoivat nousta kansainvälisesti listalle ja kokeellisempiin elektronisiin asuihin. kuten Severed Heads ja SPK kehittivät myös kulttiseuraajia ulkomaille.

Mutta vuosikymmenen puoliväliin mennessä ensimmäinen globaali elektroninen aalto menetti vauhtinsa hellittämättömän vanhan koulukunnan musiikkimedian lietsoman vastustuksen keskellä. Useimmat artistit, jotka aloittivat vuosikymmenen pääosin elektro-pohjaisena, joko hajosivat tai sekoittivat voimakkaasti soundinsa perinteiseen rock-instrumentointiin.

USA, joka on maailman suurimmat markkinat kaikin tavoin, pysyi konservatiivisen musiikin siivillä suuren osan 1980-luvusta. Vaikka syntikkapohjaiset levyt nousivat Amerikan listoille, joista ensimmäinen oli Human Leaguen vuoden 1982 USA:n listan kärkipää “Don’t You Want Me Baby?”, kokonaisuutena meni vielä muutama vuosi ennen kuin amerikkalainen valtavirta omaksui elektronisen musiikin. jolloin se vakiinnutti itsensä hallitsevaksi genreksi muusikoille ja yleisölle maailmanlaajuisesti.

Vuosi 1988 oli elektronisen musiikin kannalta jonkin verran vedenjakaja Yhdysvalloissa. Depeche Mode, jota usein herjattiin lehdistössä alkuvuosinaan, johti tahattomasti – ja useimmiten tietämättään – tätä uutta hyökkäystä. Amerikan kulttistatuksesta suurimman osan vuosikymmenen ajan heidän uusi korkean soittoäänen kierto nykyisessä Modern Rock -radiossa johti megastadionin esityksiin. Electro-elämys loppuunmyydyillä areenoilla ei ollut tuolloin tavallista Yhdysvalloissa!

Vuonna 1990 New Yorkin keskuslevykaupan jäseniä tervehtivä fanihuima teki TV-uutisia, ja heidän “Violator”-albuminsa, joka myi enemmän Madonnan ja Princen samana vuonna, teki heistä tunnetun nimen Yhdysvalloissa. Elektroninen musiikki oli tullut jäädäkseen, epäilemättä!

1990-luvulta eteenpäin: massojen elektronisen musiikin toinen kultakausi

Ennen kuin “tähtimusiikkimme” sai otteensa Yhdysvaltain valtavirrassa ja vaikka se menetti kaupallista jalansijaa muualla suuren osan 1980-luvun puolivälistä, Detroitista ja Chicagosta tuli vaatimattomia laboratorioita elektronisen musiikin räjähdysmäiselle räjähdysmäelle, joka kattaisi suuren osan 1990-luvulta ja eteenpäin. Sisään Techno ja House.

Detroit 1980-luvulla, fordismin jälkeinen USA:n teollinen joutomaa, tuotti kovempaa eurooppalaista teknoa. 80-luvun alussa ja puolivälissä Detroiter Juan Atkins, pakkomielteinen Kraftwerk-fani, yhdessä Derrick Mayn ja Kevin Saundersonin kanssa – käyttäen primitiivisiä, usein lainattuja laitteita – muodostivat selkärangan sille, mistä tuli yhdessä Housen kanssa vallitseva musiikkiklubikulttuuri kaikkialla. maailma. Voimakkaasti referoidut artistit, jotka kertoivat varhaisesta Techno-kehityksestä, olivat eurooppalaisia ​​pioneereja, kuten edellä mainittu Kraftwerk, sekä Yello ja British Electro, kuten Depeche Mode, Human League, Heaven 17, New Order ja Cabaret Voltaire.

Chicago, neljän tunnin ajomatkan päässä, näki samanaikaisesti Housen kehittämisen. Nimen katsotaan yleensä olevan peräisin “The Warehousesta”, jossa useat DJ-tuottajat esittelivät tätä uutta musiikkiyhdistelmää. Housen juuret ovat 1970-luvun diskossa, ja toisin kuin Techno, siinä on yleensä jonkinlaista laulua. Mielestäni Giorgio Moroderin työ 70-luvun puolivälissä Donna Summerin kanssa, erityisesti kappale “I Feel Love”, on keskeinen 70-luvun diskovaikutteiden arvostamisessa nousevassa Chicago Housessa.

Sen jälkeen on kehitetty lukemattomia muunnelmia ja alalajeja – Atlantin ylittäessä, uudelleen muokattuna ja takaisin – mutta monella tapaa näiden kahden ydinmuodon suosittu menestys elvytti koko elektronisen maiseman ja siihen liittyvän sosiaalisen kulttuurin. Techno ja House auttoivat perusteellisesti haastamaan valtavirran ja Alternative Rockin parhaana kuunteluvaihtoehtona uudelle sukupolvelle: sukupolvelle, joka on kasvanut elektronisen musiikin parissa ja hyväksyy sen itsestäänselvyytenä. Heille se on musiikkia, joka on aina ollut.

Elektronisen musiikin historiaa kirjoitetaan edelleen tekniikan kehittyessä ja ihmisten odotukset musiikin sijoittumisesta vievät sitä edelleen eteenpäin ja lisäävät sen sanastoa ja sanastoa.